Wolfgang Winkler – Ausruhen kann ich mich, wenn ich tot bin

Zwei meiner Lieblingsschauspieler. Walfriede Schmitt und Wolfgang Winkler. Er feiert heute Geburtstag. Sie zieht am 9. März nach. 73 ist der „alte Knabe“ geworden. Und hält sich gut. „Muss ich und will ich auch“, sagt er. Für wen? „Für mich, sonst funktioniert es nicht.“ Dass seine Frau Marina, mit 61 immer noch aktiv als Tanzlehrerin, ihm gewissermaßen ein Ansporn ist, versteht sich von selbst. Und dann mag er auch kein Rentner sein – gleichwohl er es faktisch ja ist.

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Porträt von André Kowalski

Loslassen vom Job kann und will Wolfgang Winkler einfach noch nicht. „Wir Schauspieler sind ja verrückt, wir wollen spielen bis zum Umfallen. Ausruhen kann ich mich, wenn ich tot bin“, sagt er mir am Telefon. Und bis dahin – so Gott will – hat er noch eine Menge Zeit. Vor genau einem Jahr hat der ehemalige Hallenser „Polizeiruf 110“-Kommissar – nach 50 Fällen mussten er und sein Partner Jaecki Schwarz den Dienst quittieren – seinen Polizeidienst auf dem Bildschirm wieder aufgenommen. In der ARD-Vorabendserie „Die Rentnercops – Jeder Tag zählt“. Zusammen mit Schauspieler Tilo Prückner ist er als Kommissar a. D. im TV-Dezernat 12 der Kripo Köln-Mühlheim aktiv. Ein aktuelles Thema. Der Polizei fehlt der Nachwuchs. Wie im wahren Leben.

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Mit Wolfgang Winkler im Café des Schauspieler Christian Kahrmann in Berlin. Foto: Boris Trenkel

„So eine Figur zu spielen ist ein Geschenk und wirklich ein Glück. Auch für das Selbstwertgefühl. Wenn du Kollegen in deinem Alter siehst, die gerade wieder einen großen Film gemacht haben, kannst du dir sagen: Du hast auch was Neues gemacht. Du bist auch noch präsent. Das hilft schon, die Erfolge der anderen zu ertragen. Ich könnte mich auch zurücklehnen und sagen: Lass die anderen machen. Aber da sitzt so ein kleiner Teufel im Nacken und piekst.“

Im Mai geht es nun weiter mit den humorigen Krimi-Geschichten. „Wir hatten gute Einschaltquoten. Die zwei alten Zausel, die 40 Jahre zusammen gearbeitet und den Erfolg des anderen immer mit Missgunst beobachtet haben und sich auch jetzt nichts schenken, machen den Zuschauern Spaß.“

Eine Krimi-Serie mit Augenzwinkern, die den Schauspieler vergessen lässt, dass Altwerden keinen Spaß macht. „Ich kann mich nicht darauf einlassen, zu sagen, jedes Alter hat seine Schönheiten. Man muss mit den Gegebenheiten des Alters leben, aber schön ist es meistens nicht. Man fängt an zu sagen: Ich bin ja bald 80. Früher hat man sich gern älter gemacht, um ins Kino zu kommen. Jetzt macht man sich älter, um zu hören: Ach, das sieht man Ihnen gar nicht an. Den Satz hört man ja gern. Aber eigentlich ist er auch Mist.“

Aber sich deshalb in Depressionen hineinzusteigern, liegt Wolfgang Winkler fern. Da schiebt schon sein Humor einen Riegel vor. Und die Enkel und sein Freund Jaecki Schwarz. Die beiden sind mindestens einmal im Monat zu heiteren Lesungen mit ihrem Buch „Herbert & Herbert. Bloß gut, dass ich mit dir nicht verheiratet bin“ unterwegs. Zu Ostern sind sie in Lichtenhagen bei Rostock.

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„Buddha bei die Fische“ – Das Team will einen heiter-nachdenklichen Film übers Altwerden drehen

Was ihm jetzt noch am Herzen liegt, ist die Verwirklichung eines Drehbuches, das ein junger Kollege geschrieben hat, Jörg Gahr. „Eine wichtige Geschichte, die sich ums Zurechtkommen mit dem Altwerden dreht. Dafür haben wir – Marie Gruber, Andreas Schmidt-Schaller, Ernst Georg Schwill und ich – einen Trailer gedreht, um das Geld für die Produktion zusammen zu bekommen. Dass sich eine Produktionsfirma oder ein TV-Sender findet, der dafür Geld gibt, das wünsche ich mir.“ Ich drücke die Daumen.

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Von Brecht bis C. U. Wiesner – zum Tod von Stefan Lisewski

Es macht traurig. Schauspieler Stefan Lisewski ist tot. Er starb am 26. Februar im Alter von 82 Jahren. Unerwartet für alle. Ich habe ihn weniger auf der Bühne des Berliner Ensembles erlebt, wo er in nahezu allen Brecht-Stücken Hauptrollen spielte, als vielmehr in zahlreichen DEFA- und Fernsehfilmen. Rothaarig, sportliche 1,90 Meter hochgewachsen und mit einer einprägsamen, ausdrucksstarken Stimme, war er ein besonderer Typ. Überzeugend in seinen künstlerischen Darstellungen und von Kollegen, insbesondere Filmpartnerinnen, zudem wegen seiner humorvollen Art, seiner Jungenhaftigkeit besonders gemocht. „Mit ihm zu drehen war stets ein Vergnügen“, erinnerte sich Annekathrin Bürger in einem unserer vielen Interviews. In den Erinnerungen an ihren ersten Film „Verwirrung der Liebe“ (1959) verriet mir Angelica Domröse, dass ihr Stefan Lisewski imponiert habe. „Er hat am BE gespielt!“

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Stefan Lisewski 2009 beim Filmtreff in Quedlinburg c/o Hans-Jürgen Furcht

Da, wo sie hin wollte, gehörte Lisewski von 1957 an zu den wichtigsten Schauspielern. Mit der Übernahme der Intendanz des BE durch Claus Peymann 1999 schied er – inzwischen 65 Jahre – aus dem Ensemble aus. Doch er blieb dem Theater bis zu seinem Tod verbunden. Mehr als 500 Mal hat er als Mackie Messer in der „Dreigroschenoper“ das Publikum im Theater am Schiffbauerdamm und bei Auslandsgastspielen wie in Griechenland und Italien begeistert. Man sah den Charakterdarsteller in „Mutter Courage und ihre Kinder“, „Die Gewehre der Frau Carrar“, in „Das Leben des Galiliei“, „Herr Puntila und sein Knecht Matti“ oder im „ Kaukasischen Kreidekreis“. Noch am 21. Februar verkörperte er den Dogsborough in Brechts „Der aufhaltsame Aufstieg des Arturo Ui“. Weit mehr als 300 Mal stand er in dieser Rolle in der Inszenierung von Heiner Müller seit der Premiere 1995 auf der Bühne.

Ursprünglich war das Theater, die Schauspielerei nicht Lisewskis Lebensziel. Geboren am 6. Juli 1933 im polnischen Tczew (Dirschau), war er, elfjährig, mit seiner Familie nach dem Ende des Zweiten Weltkrieges wie viele deutsche Umsiedler aus Pommern in Schwerin gelandet. Als Statist am Theater frönte er schon als Schüler seiner Leidenschaft fürs Schauspielen. Als ernsthaften Beruf für sich sah er das aber nicht. Er wollte Hütteningenieur werden und bewarb sich nach dem Abitur an der Bergakademie Freiberg. Doch die Lust zum Spielen war stärker, und so sprach er an der Berliner Schauspielschule vor – und wurde abgelehnt. Er ging als Praktikant ins Schwermaschinen-Kombinat Magdeburg und arbeitete dort am Schmelzofen.

Die Bühne lockte den damals 20-Jährigen jedoch sehr. Immer wieder übernahm er am Theater der Stadt Komparsenrollen und startete 1955 einen neuen Versuch an der Berliner Schauspielschule. Es klappte. Sein zweieinhalbjähriges Studium schloss er 1957 während der Dreharbeiten zu seinem ersten Film, „Das Lied der Matrosen“, ab und erlangte anschließend ein Engagement am Berliner Brecht-Ensemble. Er hat noch mit Helene Weigel und Ernst Busch zusammen gearbeitet und war sehr dankbar für die großartige Zeit, die ihn über die Grenze der DDR hinaus in die ganze Welt geführt hat, wie er in einem Interview zu seinem 70. Geburtstag sagte.

Ich weiß nicht mehr, in welchem Film ich Stefan Lisewski zum ersten Mal gesehen habe. Es könnte „Das Lied der Matrosen“, der Musikfilm „Eine Hand voll Noten“ oder „Maibowle“ gewesen sein. Mittags, in einer der Halbzwei-Uhr-Testsendungen des DDR-Fernsehens in den 60er Jahren. Vielleicht war es auch „Die Jagd nach dem Stiefel“, ein Kinderfilm von Konrad Petzold, oder „Chronik eines Mordes“.

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Jedenfalls hat er sich mir eingeprägt. Sein Gesicht, seine Stimme, die ich sofort im Ohr habe, wenn ich den Namen höre oder lese. Auch Szenen, wie die mit Hildegard Alex beim Versuch zusammen in eine Badewanne zu steigen. Was praktisch ein Ding der Unmöglichkeit war, denn der Einsneunzig-Mann passte ja allein schon kaum hinein. „Wir hatten viel Spaß beim Probieren, wie das gehen soll“, erzählte mir Hilde Alex, als ich ihr meine Erinnerung einmal schilderte. Ich glaube, die Fernseh-Reihe hieß „Rund um die Uhr“. Das Komödiantische war die andere Seite des Charakterdarstellers, die populäre, die ihn beim Publikum so beliebt machte.

In den 70er und 80er Jahren hat der Schauspieler das Filmen zugunsten des Theaters zurückgefahren und sich mehr oder weniger auf Rollen in Kinderfilmen beschränkt. Diese Arbeit machte dem zweifachen Vater und Großvater sehr viel Freude. Regisseur Günter Meyer fand in dem Hünen die ideale Besetzung für den Riesen Otto in seiner Fernsehserie „Spuk unterm Riesenrad“, Drehbuch „Eulenspiegel“-Autor C. U. Wiesner.

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Die Autorin mit Stefan Lisewski (M) im August 2013 im Treptower Park sowie mit Regisseur Günter Meyer (r.) und den Filmkindern Katrin Raukopf (2.v.r.) und Henning Lehmbäcker. c/o Boris Trenkel

Ihr verdanke ich, dass ich Stefan Lisewski im August 2013 persönlich kennenlernen durfte. Natürlich im Treptower Park unterm Riesenrad. Sein voller roter Haarschopf war ergraut, und es ging dem Schauspieler auch nicht gut. Er kämpfte mit Atemnot, aber seinen Humor hatte er nicht verloren. An den Film hatte er glänzende Erinnerungen. „Der ist losgegangen wie eine Rakete. Und geht es noch. Als ich jetzt längere Zeit im Krankenhaus war, haben mich die Schwestern kurz vor der OP gefragt: „Sind Sie nicht der Riese?“ – Erwachsene Leute, die damals Kinder waren. Es war ja auch eine tolle Geschichte dadurch, dass die uralten Märchenfiguren mit dem prallen Leben der DDR konfrontiert wurden. Daraus ergab sich wundervoll Satirisches. Wenn man älter wird und mal Revue passieren lässt, was man so gemacht hat, gehört das mit zu den schönsten Arbeits- und Urlaubserlebnissen, die ich hatte. Wir haben im Harz gedreht, auf der Burg Falkenstein. Wir haben an der Rappbodetalsperre gewohnt. Das war toll. Und wenn wir nachts gedreht haben, sind wir früh zu einem Bauern gefahren und haben warme Milch getrunken.“

Es war so einiges passiert bei den Dreharbeiten, das ihm im Nachhinein ein Schmunzeln ins Gesicht zauberte. „Auf dem Hexentanzplatz sollte ich auf ein fahrendes Auto springen. Das hat meinen sportlichen Ehrgeiz angestachelt. Aber es real zu versuchen, wäre dann doch zu gefährlich gewesen. Deshalb wurde es am Schneidetisch geschickt zusammenmontiert.“ Für die Anfangsszenen, in denen der Riese groß ist, hatte Stefan Lisewski bei einem Artisten Stelzen laufen gelernt. „Günter Meyer fand mich mit meinen 1,88 noch zu klein als Riese. Ich musste auf einen Stuhl steigen, damit er sehen konnte, wie das mit Stelzen sein würde.“

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Die Geister in der Spree. Szene aus der Serie „Spuk unterm Riesenrad“

Dass er bei der Flucht der Geister mit Boot auf der Spree einen Moment Todesangst hatte, ist auch so eine Geschichte. In der Hektik, die Szene noch vor Sonnenuntergang „in den Kasten“ zu kriegen, hatte niemand an die Eisengewichte in dem Ruderboot gedacht, die als Lastenausgleich für die Schauspieler, insbesondere den schweren Stefan Lisewski, in den Bug gelegt worden waren. Als das im Film nicht zu sehende Motorboot den Geisterkahn am Schlepptau in Bewegung setzte, neigte sich plötzlich der Bug des Ruderboots gen Wasser, immer tiefer, bis es schließlich versank – und mit ihm die Geister. „Ich hatte einen schweren Schafspelz an, der sich voll Wasser sog. Katja Paryla, die Hexe, und Siegfried Seibt, Rumpi, konnten ja schwimmen in ihren Sachen, ich nicht. Da war mir schon komisch, bis ich merkte, ich habe Boden unter den Füßen. Wir standen auf einer Sandbank mitten in der Spree.“ Mit seinem trockenen Witz würzte er als Hausmeister den „Spuk im Hochhaus“ und wirkte als Graf Bärenfels auch in der Serie „Spuk von draußen“ mit.

Für das Berliner Ensemble werden die Inszenierungen mit Stefan Lisewski wichtige Abschnitte in der Geschichte des Theaters sein. In seinen großen wie kleinen Filmrollen wird er lebendig bleiben, sich den vielleicht auch nachfolgenden Generationen einprägen.

 

Täve – die Radsport-Legende feiert 85. Geburtstag

Herzlichen Glückwunsch dem Helden meiner Kindheit.

Was für ein Strahlen!  So kennt man Gustav-Adolf Schur, die Radsport-Legende der DDR. So haben Millionen Täve, den erfolgreichsten Sieger der Internationalen Friedensfahrt, in Erinnerung. Im Gemeindesaal Biederitz gab es für den Jubilar einen Empfang. Ich hatte ihn ungefähr zwei Stunden vorher am Telefon, um ihm zu gratulieren, und erntete als Dank sogleich sein ansteckendes Lachen, das ihn so sympathisch macht, so nahbar, weil es einen selbst gleich fröhlich stimmt. Die Gratulanten gaben sich den ganzen Vormittag die Klinke in die Hand, das Telefon läutete unentwegt. „Ich musste  mich erst mal ausruhen, ich war ganz platt“, sagte er. „Und die vielen Briefe, ich wusste gar nicht, dass so viele Menschen an mich denken. Das muss ich alles in Ruhe lesen und mir die Gesichter wieder ins Gedächtnis rufen. Manch einen habe ich ja lange nicht gesehen.“ Aber er vergisst kein Gesicht, keinen Namen. Ich erzählte ihm eine kleine Episode, die mich auf platonische Weise mit ihm verbindet. Seit 60 Jahren! Er hat gestaunt.

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Ein strahlender Täve Schur beim Empfang im Gemeindesaal Biederitz. Die 85 sieht man ihm nicht an. 60 Kilometer am Tag auf seinem Rad zu strampeln macht der Radsport-Legende  nichts aus. „Noch nicht“, scherzt er.

Sport hat mich nie interessiert, mit einer Ausnahme – der Internationale Friedensfahrt. Die habe ich mitverfolgt, saß mit meinem Vater vorm Radio und fieberte mit. Vor allem mit einem: Gustav-Adolf Schur. „Unserem Täve“ wie alle sagten, seit er 1955 bei dem bedeutendsten internationalen Amateur-Etappenrennen durch drei Länder als erster DDR-Fahrer das GelbeTrikot für den Sieg in der Gesamteinzelwertung gewonnen hatte.

Ein Jahr später stand auch ich an der Strecke, um ihn anzufeuern, 1956 bei der Tour Warschau – Berlin – Prag. Die 7. Etappe, von Berlin nach Leipzig, führte durch unser Dorf, Eiche bei Potsdam. Es war ein warmer Maitag. Aufregt stand ich vor meinem Vater und guckte mir die Augen aus dem Kopf. Das Kinderherz schlug bis zum Hals. Und dann rollte die Spitzengruppe heran – und war vorbei – mit Täve. Zu schnell für mich, um ihn zu erkennen. Ich hörte nur die Leute rufen: „Täve, Täve…“

Er lachte am anderen Ende der Telefonleitung und sagte dann mitfühlend. „Ach, das war ja eine Enttäuschung. Wir sind ja auch gerast. Da konnte man schwer jemanden erkennen.“

Auf Zeichenkarton habe ich mithilfe meines Vater, ich war ja erst sechs, die Friedensfahrt-Strecke aufgezeichnet und jeden Tag den Etappensieger mit Bild aus der Zeitung ausgeschnitten und aufgeklebt. Wenn Täve nicht gewann, war ich traurig. Unvergessene Erlebnisse. „Ja, das war unsere Zeit“, konstatierte er fröhlich.

Täve fuhr bis 1964 zwölf Mal den „Course de la Paix“. Er erkämpfte zwei Gesamt- und neun Etappensiege. Für mich verlor die Friedensfahrt ihren Reiz, als er nicht mehr dabei war, denn sie war in meinem Empfinden mit ihm verbunden.

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Mit seiner Ehefrau Renate lebt er in seinem Geburtsort Heyrothsberge. Sie haben vier Kinder. Foto: Yorck Maecke

Viele Jahrzehnte später lernte ich ihn dann persönlich kennen, bei der Gala der SUPERillu, der Goldenen Henne. Es fällt nicht schwer, diesen humorvollen, bescheidenen Menschen zu mögen. Mir umso weniger, da er meinen Heimatdialekt – sachsenanhaltinisch – spricht. Täve war in der DDR – und ist es auf dem Territorium immer noch – der populärste und beliebteste Sportler. Neunmal in Folge wurde er bis 1960 zum Sportler des Jahres gewählt und nahm auch in einer Umfrage nach den besten und populärsten DDR-Sportlern aller Zeiten 1979  den ersten Platz ein.

Ein denkwürdiges Ereignis war das Amateurrennen der UCI-Straßen-Weltmeisterschaften am 13. August 1960 auf dem Sachsenring. Täve verzichtete auf seine Siegchance und damit auf den WM-Hattrick nach seinen WM-Titeln 1958 und 1959 zugunsten seines Mannschaftskameraden Bernhard Eckstein. Damit wurde der Maschinenmechaniker aus Heyrothsberge endgültig zur Sportler-Legende.

Wenn „unser Täve“ auf sein Leben zurückblickt, er kam am 23.Februar 1931 in Heyrothsberge zur Welt, darf er stolz sein. Er hat sich nie als Star gesehen, sondern immer als Teil der Mannschaft, des Kollektivs. Er ist sich treu geblieben in seinem Denken und Handeln – was ihn nach dem Untergang der DDR in der Bundesrepublik  2011 die Aufnahme in die Hall of Fame des deutschen Sports kostete.

Ohne Freiheit geht gar nichts – Zum Tod von Sonja Kehler

Vorbei. Das ist endgültig. Und der Tod ist endgültig. Sonja Kehler wird sich nie mehr zu Wort melden mit Brecht-Liedern, Eisler- oder Weill-Songs. Sie wird auf keiner Theaterbühne mehr stehen – sie hasste Stühle, weil sie beim Sitzen fast immer lag – und uns mit hintersinnigen Kästner-Texte begeistern, mit Versen von Ringelnatz oder uns die expressionistische Lyrik der deutsch-jüdischen Dichterin Else Lasker-Schüler nahebringen. Sonja Kehler hat sich von der Welt verabschiedet. Sie starb am 18. Januar in ihrer Wohnung in Berlin. Leise, ohne Anlass.

Leise war auch der letzte Abschied. Am 2. Februar, es wäre ihr 83. Geburtstag gewesen, wurde die international hoch geschätzte Schauspielerin und Diseuse von ihrer Familie und engen Freunden auf dem Südwestkirchhof in Stahnsdorf bestattet.

Nur einmal habe ich die Künstlerin getroffen. In ihrer Berliner Wohnung. Für ein kleines Porträt, zu ihrem 76. Geburtstag. Zum 75. hatte es nicht geklappt. Mein Respekt, meine Hochachtung wirkten wie eine Bremse. Sie löste sie umgehend mit ihrer Gastfreundlichkeit, ihrer unkomplizierten Art, sich auf Menschen einzulassen. Eigentlich wollte sie nach Mecklenburg, wo sie in einem Bauernhaus auf dem Dorf lebte. Ihr Platz, um die Seele baumeln zu lassen, was aber höchst selten vorkam. Viele Freunde, ihre Lieblingsenkeltochter Paula und ihre Urenkel Oskar und Julia besuchten sie oft und gern. Auch, um ihre dänische Küche zu genießen.

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Im Januar 2009 traf ich Sonja Kehler in ihrer Berliner Wohnung zum Interview. Foto: Yorck Maecke

Damals, im Januar 2009, lagen gerade wieder ein paar Wochen Dänemark vor der rastlosen 76-Jährigen. Seit Mitte der 80-Jahre hatte Sonja Kehler an der staatlichen Schauspielschule in Odense als Gastdozentin gelehrt, an verschiedenen Theatern in Dänemark gearbeitet und dafür die Landessprache perfekt gelernt. Berlin war Zwischenstation, wenn sie mit ihrem Pianisten Milan Šamko zu Konzerten in Deutschland unterwegs war oder nach Spanien und Portugal geflogen ist, wo man die eigenwillige Künstlerin sehr schätzte. 2006 hatte man sie als Brechtexpertin nach Sevilla geholt, um das Theater-Ensemble bei der Einstudierung der „Dreigroschenoper“ zu unterstützen. Daraus ergaben sich weitere Arbeiten. 2007 erarbeitete sie mit dem international renommierten Professor für Choreographie und zeitgenössischen Tanz Paco Macià Vicente in Murcia den „Kaukasischen Kreidekreis“. Später folgte ein neues Brecht-Programm.

Dänemark war ihr eine Art künstlerischer Wahlheimat geworden. „Ich bin Mitte der 70-er Jahre zum ersten Mal in Kopenhagen aufgetreten, und es war Liebe auf den ersten Blick“, erinnerte sie in unserem Gespräch. Danach wurde sie immer wieder eingeladen, auch nach Svendborg in das Haus mit dem Strohdach, in dem Brecht zwischen 1933 und 1939 gewohnt hat. Nach einem Workshop zur Arbeit mit Brecht war die Schauspielschule von Odense auf sie zugekommen und hatte gefragt, ob sie Interesse hätte, Interpretationsunterricht zu geben. „Ich war die einzige, die mit Brecht anders umging, sehr viel körperlicher.“

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Sie war eine der bedeutendsten Brecht-Interpreten, eine Künstlerin von internationalem Format und  Theaterpädagogin. Foto: Yorck Maecke

Für Sonja Kehler, die eigentlich Romanistik in Leipzig studiert hatte und nur durch puren Zufall zum Schauspiel und zum Gesang gekommen war, hieß Theater: Bewegung, Einsatz von Stimme und Körper. Wenn sie redete, redete alles an ihr mit. Arme, Hände, Finger, Augen – ein Stuhl wurde unter ihr zur Bühne. „Ein Schauspieler muss tanzen und singen können, ein Tänzer singen und spielen“, sagte sie. Nach dem Prinzip hat sie ihre Studenten unterrichtet. „Stimme und Körper“ hieß ihr Fach, und sie hat ein Lehrbuch geschrieben, wichtig für Sänger wie Schauspieler, das 2009 in Dänemark erschienen ist.

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Sie selbst bezeichnete sich als „singende Schauspielerin“. Der Theaterkritiker und Brechtforscher Prof. Dr. Ernst Schumacher (†2012) schrieb über sie: „Man kann von ihr wirklich sagen, sie sei eine gestische Schauspielerin. Das Anziehende, das Hinreißende ihres Vortrags besteht darin, dass sie zu jedem Gedicht, das sie singend vorträgt, einen eigenen Gestus zu finden vermag… wie sie die Züge ihres Gesichts dem, was sie singt, anpasst oder widersetzt, und natürlich, wie sie die Stimme moduliert und selbst gestisch wirken lässt und wie sie das Kunststück fertigbringt, sich in kaum einer Geste zu wiederholen.“

Ihre Art der Interpretation unterschied die Kehler von der anderen großen Brecht-Interpretin, Gisela May. Als Studentin hatte sie die May in einem Brechtkonzert in Leipzig erlebt und für sich beschlossen: „Das willste nie“. Deshalb hielt sie sich von Brecht-Texten auch lange fern, ließ sich DDR-Lyrik vertonen. 1967 gewann sie beim Chanson-Wettbewerb der DDR den Sonderpreis des Rundfunks. In die „Szene geschubst“, wie sagte, hat sie 1968 der Jenaer Komponist Tilo Medek († 6.2.2006). Er hatte ihr „Meine Wunder“, acht Lieder für Schauspielerstimme und Sinfonieorchester geschrieben. Das war neues Hören. Lächelnd erinnerte sie sich: „Ich stand auf der gleichen Bühne in Leipzig wie damals Gisela May und war richtig stolz.“

Allerdings gab es bei diesem, ihrem ersten Konzert gleich einen „Skandal“. Da stritten sich Kompetenzen über die Frage: Darf man zeitgenössische E-Musik mit U-Musik kombinieren – und dann auch noch eine Schauspielerin singen lassen? Ein Streit, der heute nur noch Schmunzeln hervorruft. Sonja Kehler hatte er genutzt. Sie bekam sehr viele Angebote, so dass für die damals 35-jährige Mutter zweier Töchter keine Notwendigkeit mehr für ein festes Theaterengagement bestand, um Geld zu verdienen. Sie spielte noch als Gast an verschiedenen Bühnen in der DDR, war die She Te in Brechts „Der gute Menschen von Sezuan“, an die 200 Mal die Eliza Doolittle in „My Fair Lady“. Sie feierte Erfolge als Luise in „Kabale und Liebe“, als Grusche im „Kaukasischen Kreidekreis“ oder als Elisabeth in „Maria Stuart“.

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Mit ihrem ersten und eigenen Brecht-Programm trat sie 1971 auf. Drei Jahre später trug sie auf dem Eisler-Kongress in Berlin Eisler- und Dessau-Lieder vor. Sie machte Tourneen durch ganz Europa, Ost wie West, und avancierte zur herausragenden Brecht-Interpretin. Sonja Kehler entwickelte nun eigene literarische Programme, immer „gierig auf das Neue“. Wozu auch die wenig bekannten und eigenwilligen Lieder von Kurt Weill gehören. Paul Dessau hatte für sie Brechts Vers „Das Pferd“ vertont. Ein frecher Text über ein Pferd, das nichts taugt und deshalb Politiker wird. Sie durfte das singen – der Text war ja von Brecht und den konnte man in der DDR schlecht verbieten. Sie sang auch unerwünschte Texte von Sarah Kirsch, Günter Kuhnert und Volker Braun. „Meine Freiheit habe ich mir nicht nehmen lassen. Ich habe weltweit über 40 Konzerte im Jahr gegeben und es genossen, fremde Menschen kennenzulernen.“

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Die Diseuse und Schauspielern in ihrem Arbeitszimmer. Foto: Yorck Maecke

Eine Merkwürdigkeit hatte sich in den 80-ern ergeben. Die Künstlerin war „in Ungnade“ gefallen, weil nach einem Konzert im Westen ein Musiker weggeblieben war, nicht in die DDR zurückkehrte. Als Verantwortliche musste sie es büßen. Reiseverbot, keine Konzert, keine Plattenaufnahmen. Dann wurden die Devisen knapp und die „Künstler-Agentur der DDR“ schickte sie zur Arbeit ins kapitalistische Ausland.

Dickköpfig reizte es die Kehler immer, ihre schauspielerischen Grenzen auszutesten. Exzellent und international hoch beachtet war ihre liebevolle Interpretation von Rosa-Luxemburg-Texten, Briefe aus dem Gefängnis, mit der sie ab 1980 in einem Ein-Personen-Stück der Mitbegründerin der KPD ein künstlerisch-literarisches Denkmal gesetzt hat. Mit dem berühmten Satz: „Freiheit ist immer die Freiheit der Andersdenkenden“, der in der DDR als Paradebeispiel für subversives Denken galt. Das Programm wurde im Ausland 150 Mal aufgeführt, aber nur ein einziges Mal in DDR. Nach einem Auftritt in Westdeutschland wurde sie mal gefragt: „Wo würde Rosa Luxemburg eigentlich heute leben wollen? In der DDR?“ Da hat sie gelacht und geantwortet: „Das glaube ich nicht. Ich weiß nicht, wo für sie überhaupt eine Chance wäre. Sie würde wahrscheinlich wieder erschlagen werden.“ Das hat eine Zeitung gedruckt und die Kehler hatte wieder Trouble…

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Einen Ruhestand kannte Sonja Kehler bis zum Schluss nicht. „Nicht zu arbeiten, wäre richtiger Stress für mich“, hat sie immer gesagt. Das wusste niemand besser als ihr Mann, der Regisseur Harald Quist, mit dem sie seit 1975 verheiratet war. Außerdem wollte sie noch viel geben. „Je älter man wird, desto mehr hat man in diesem Beruf einzubringen. Das nicht zu tun, wäre Verschwendung.“ Sie gab bis zum Schluss Unterricht, hat inszeniert und ist mit eigenem Repertoire aufgetreten. Zum 80. Geburtstag hatte sie noch ein großes Konzert in Dänemark und ihren 81. Geburtstag hat sie während einer mehrwöchigen Arbeit mit Studenten wie so oft en passant begangen. Unvergesslich für alle, die sie erlebt haben, bleibt Sonja Kehler bei der „Langen Hanns Eisler Nacht“ am 8. September 2012. Die alte Dame bekam spontane Ovationen für ihren herausragenden Brecht-Vortrag „Ein Pferd klagt an“.

Eine Künstlerin von internationalem Format ist gegangen. Was sie uns hinterlassen hat, sind Platten mit ihren Chansons und Interpretationen von Bert Brecht, Kurt Weill, Paul Dessau und Hanns Eisler. Eine reiche Gabe.

Günter Meyer: Die Abenteuer seines Lebens

Wer ist Günter Meyer? Ein Mann mit einem Allerweltsnamen. Setzt man jedoch das Wort Regisseur davor, spuckt Google eine interessante Biografie aus und eine lange Filmliste. Zugegeben, ich hatte ihn – wie wohl viele Leser dieses Beitrags – nicht auf dem Schirm, seine TV-Serien „Spuk unterm Riesenrad“, „Spuk im Hochhaus“ und „Spuk von draußen“ allerdings schon. Die haben mich genauso gefesselt wie Millionen andere in den 70-er und 80-er Jahren. Inzwischen sind sie zum Kult avanciert. Und das brachte mich auch in persönlichen Kontakt mit Günter Meyer, dem Regisseur. Das erste Mal 2013, als ich für die Leser der SUPERillu herausfinden wollte, wie der Spuk unters Riesenrad kam.

Mit meiner Bitte stieß ich bei ihm auf offene Ohren und einen unendlichen Fundus an abenteuerlichen Begebenheiten, die er von den Dreharbeiten zu erzählen wusste. Da war zum Beispiel die Geschichte mit dem Fisch, den der Riese im Mund hat, als er aus der Spree auftaucht. Für Schauspieler Stefan Lisewski eine Tortur. Meyer erzählt die Episode in seinem warmen Timbre in der Stimme und erzgebirgischem Akzent. Auch nach 50 Jahren Aufenthalt in Berlin hat sich der nicht verwischt.

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Das Riesenrad im Berliner Plänterwald war der Ausgangspunkt für die TV-Serie „Spuk unterm Riesenrad“. Dort traf ich mich mit Regisseur Günter Meyer und den Darsteller Katrin Raukopf (Keks), Stefan Lisewski (Riese) und Henning Lehmbäcker (Tammi). Foto: Boris Trenkel

Und so war das: „Der Requisiteur, ein netter Kerl, hatte den präparierten Fisch in der Werkstatt im Filmstudio Babelsberg versehentlich liegen gelassen. Nur die Gräte – aus Zucker – befand sich bei den Requisiten, die wir an dem Tag brauchten. Er bastelte einen Ersatzfisch aus Pappe. Ich sagte, das geht so nicht, das sieht man. Er besorgte einen echten Fisch. Wir schnitten den Kopf ab und Stefan steckte ihn in den Mund. Er kaute darauf herum, dann kam ein Schnitt, und er hatte nun die süße Gräte im Mund.“ Was sich dann zutrug, kann sich jeder vorstellen. Kaum hatte Günter Meyer die Einstellung mit dem üblichen Ruf „Gestorben“ beendet, kotzte Lisewski wie ein Reiher.

Von seinem Vergnügen, Filme zu drehen – Kinderfilme zu drehen– und mancher Hürde dabei, hat der 75-Jährige ein Buch geschrieben, „Die Geister, die ich rief…“ (DEFA-Stiftung, 2011). Günter Meyer gehörte wie Rolf Losansky („Moritz in der Litfaßsäule“, „Ein Schneemann für Afrika“), Walter Beck („König Drosselbart“, „Käuzchenkuhle“), Siegfried Hartmann („Das Feuerzeug“, „Hatifa“) und Hans Kratzert („Hans Röckle und der Teufel“, „Ottokar der Weltverbesserer“) zu den wichtigen DDR-Regisseuren, die sich dem Kinderfilm verschrieben hatten. Wenn man sich mit ihm unterhält, er über die Dreharbeiten an diesem oder jenem Film spricht, wird eins ganz deutlich: Er nahm es sehr genau. Schon als junger Regisseur teilte er die Haltung „Das versendet sich“ manch „alter“ Hasen nicht.

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Verschmitzt guckt er in die Kamera von Fotograf Nikola Kuzmanic

„Meine Regieziele waren nicht Bildschirm oder Leinwand, sondern der Film und sein Publikum. In meinen Augen lohnt es sich, einen Kinder- oder Jugendfilm so zu machen, dass man ihn auch in zwanzig Jahren noch mit Vergnügen ansehen kann.“ Und das ist ihm gelungen. Ob es die „Spuk“-Filme sind, das Abenteuer „Kai aus der Kiste“ nach Wolf Durians gleichnamigem Buch oder die beiden spannenden Märchenkrimis „Sherlock Holmes und die sieben Zwerge“ und „Der Dolch des Batu Khan“.

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Regisseur Günter Meyer gratuliert Friedrich Linder, der während der Dreharbeiten zu „Spuk am Tor der Zeit“ 13 Jahre geworden ist. Foto privat

Seine Filmlaufbahn begann der Absolvent der Filmhochschule Babelsberg 1965 als Regie-Assistent im DEFA-Spielfilmstudio. Weil sich eigene Projekte immer wieder zerschlugen, nahm er 1969 das Angebot des DEFA-Dokumentarfilmstudios an, als Regisseur Dokumentarfilme für Kinder zu machen. „Wenn ich die Themen meiner ersten dokumentarischen Filme wie auch der Spielfilme für Kinder Revue passieren lasse, merke ich heute noch deutlich, dass es einer meiner ersten Berufswünsche war, Lehrer zu werden. Fast alle Filme sind mit einem dezent erhobenen pädagogischen Zeigefinger gedreht, der in ein buntes, fantastisch-märchenhaftes Kostüm gehüllt ist.“

Eine verantwortungsbewusste Kunst für Kinder, eine Kunst für Menschen also, die in eine Welt hineinwachsen, die sie verstehen und zu bewältigen lernen müssen – und wollen –, kann sich ihrer erzieherischen Funktion nicht entziehen. Walter Beck, der sich mit der Kinderfilmkunst sehr beschäftigt, formuliert in seinem autobiografischen Kaleidoskop „Mär und mehr“: „Unsere Zuschauer sollen … ihre ureigene mitschöpferische Rolle erkennen in unseren Filmen… Erstrebenswerte Wirkung unserer Kunst ist jene, dass Kinder durch unsere Filme den Begriff der fließenden, alles verändernden Zeit zu fassen kriegen, und sei es nur an einem Zipfel. Wer den heute festhält, zieht morgen mehr vom Ganzen an sich heran.“

Glück, Mut, Respekt vor anderer Leute Arbeit, Hilfsbereitschaft, Ehrlichkeit – ethisch-moralische Fragen, die das Werte-Bild der Kinder prägen, wollte Günter Meyer mit seinen Filmen ins Bewusstsein der jungen Zuschauer rücken. Immer natürlich aus dem Blickwinkel heraus, dass sie Spaß daran haben, dass die Filme ihnen spannende Unterhaltung sind, dass sie mit ihren Helden mitleben. Günter Meyer selbst ist jemand, der sich von Klein auf zu Märchenhaftem, Unwahrscheinlichem hingezogen fühlt, der seine blühende Fantasie als Erwachsener in seinen Filmen umsetzte. Figuren aus der Märchen- und Sagenwelt geraten bei ihm in die Jetztzeit, Menschen aus Gemälden werden lebendig oder umgedreht reisen Kinder von heute in die Fantasiewelt.

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Günter Meyer (r.) mit Katja Paryla und Heinz Rennhack – sie spielten die verfluchten Wirtsleute – bei den Dreharbeiten für die Serie „Spuk im Hochhaus“ 1982 in Berlin (Repro)

Die Eintrittskarte in diese herrliche bunte Märchenwelt war für ihn das Regieangebot für die siebenteilige Serie „Spuk unterm Riesenrad“. „Ich war 30, als die fantastischen Abenteuer meiner Kinderträume plötzlich Wirklichkeit werden sollten“, erinnert er sich heute, über viereinhalb Jahrzehnte später. „Im Szenarium von C.U. Wiesner, einem Starautor der Satire-Zeitschrift Eulenspiegel fand ich alle Zutaten, die einen wirkungsvollen Familienfilm ausmachen: Eine spannende, aber einfach gebauten Story, drei sympathische Kinderfiguren mit witzigen Sprüchen, drei Märchenfiguren, die das Hier und Heute ordentlich durcheinander wirbeln. Und natürlich Geheimgänge und Verliese auf einer alten Burg, Zaubertricks und Spukszenen.“

Günter Meyers Publikum geht mit ihm auf Entdeckungsreise. Leider werden viele seiner spannenden und abenteuerlichen Filme, gerade auch die Kinderdokumentarfilme, nicht mehr gezeigt, wie „Die verschwundene Burg“ (1980), eine Geschichte über die Ritter des Mittelalters. Oder „Unterm Pflaster von Berlin“ (1984), eine Reportage über die Kanalisation der Millionenstadt. Die Kamera begleitet die Arbeiter hinunter in die Gewölbe der Kanalisation und berichtet von ihrer Arbeit. Heute, wo Gewalt in den Schulen fast an der Tagesordnung ist, bei kleinsten Konflikten gehen Schüler aufeinander los, könnte Günter Meyers erster Spielfilm „Die Squaw Tschapajews“ ihnen zeigen, dass es auch anders geht. Zwei Schulklassen müssen Punkte sammeln, um eine Ostsee-Reise zu gewinnen. In der einen Klasse aber gibt es zwei rivalisierende Gruppen. Nur wenn die Anführer ihren Zwist beiseitelegen, haben sie eine Chance auf den Sieg.

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Über wichtige Jahre seiner eigenen Kindheit erzählt der 1940 im erzgebirgischen Thum geborene Wahlberliner in seinem Roman-Erstling „Die Männer meiner Mutter“ (Edition Freiberg, 2015). Mit Humor spiegelt er aus der Sicht des zwölfjährigen Werner die Nachkriegsjahre 1945 bis 1949 in seiner Heimatstadt im Erzgebirge.
Kurz nach seinem 75. Geburtstag am 25. November letzten Jahres besuchte ich ihn für ein Interview.

Gespräch mit Günter Meyer 

Alter im Spiegel der Zeit, die dahin rast – 50, 60, 70, 75. Meine Großmutter war für mich schon mit 50 alt, mit 75 waren die Leute früher Greise.  Bei der Betrachtung des eigenen Alters betrügt einen die Empfindung ja meistens. Wie sehen Sie sich?
Für mich gilt das auch. Von ‚innen‘ gucke ich raus, als wäre ich 50, aber der Körper zeigt mir schon immer, dass ich 75 bin, wenn er mich, z.B. beim Toben mit den Enkeln altersgemäß ausbremst. Wobei ich seit meinem Unfall 1995 ohnehin Probleme beim Laufen habe.

Der Unfall war ein Frontalzusammenstoß auf einer Landstraße, verursacht von drei betrunkenen Jugendlichen. Dass Sie überlebt haben, grenzt an ein Wunder.
Ja, ich bin den Ärzten sehr dankbar, dass Sie sich so viel Mühe gegeben haben, damit meine Frau und ich nicht im Rollstuhl landen. Es passierte auf einer einspurigen Landstraße bei Magdeburg. Die Jungs auf der Gegenspur rasten beim Überholen mit 150 Sachen auf uns zu. Es blieb uns nicht mal Zeit, um Angst zu haben.

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Das Kamerateam und der Regisseur

Wie hat sich Ihr Leben dadurch verändert?
Zuerst hatte ich den Eindruck, mein Leben ist zu Ende. Ich lag ein Vierteljahr im Bett, ich konnte nicht aufstehen, nicht mal einen Stift halten anfangs. Danach bekam vieles eine ganz andere Wertigkeit, es war ja für mich und auch meine Frau wie ein geschenktes zweites Leben. Ich habe meine Vergegenständlichung in der Kunst zurückgefahren. Nicht mehr die Arbeit und der Beruf, sondern die Familie wurde zum Lebensmittelpunkt.

 Im Oktober hatten Sie und ihre Frau Heide Messinghochzeit, das sind 45 Ehejahre. Eine lange Liebe.
Sie ist noch länger. Wir lernten uns 1963 Jahren auf einem Zeltplatz an der Ostsee in Altenkirchen kennen. 1970 haben wir geheiratet. Meine Frau ist promovierte Soziologin. Sie arbeitete an der Bauakademie der DDR. Da wir beide beruflich stark engagiert waren, haben wir Haushalt und Kinderbetreuung als ‚Gemeinschaftsprojekt‘ angesehen. Wenn sie auf Dienstreise war, habe ich es so eingerichtet, dass ich zu Hause an Drehbüchern oder Stoffentwicklungen gearbeitet habe, sozusagen gelebte Gleichberechtigung.

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Günter Meyer und seine Frau Heide sind seit 52 Jahren zusammen. Foto Nikola Kuzmanic

 Sie lagen über 100 Tage im Krankenhaus. Kriegt man da nicht einen Koller?
Meine Tochter Katrin hat mir einen Laptop gekauft. Der lag auf meinem Bauch, und ich habe über das Geschehen im Krankenhaus Tagebuch geführt. Wenn ich das jetzt so nachlese, schwingt viel Bitterkeit mit, auch über manche Situationen mit Ärzten und Pflegern. Es war aber auch eine Therapie für mich, mir Frust und Ärger von der Seele zu schreiben. Viel half natürlich, dass ich jeden Tag Besuch hatte. Meine Familie, Kollegen vom rbb-Fernsehen und vor allem C.U. Wiesner, mit dem ich die „Spuk“-Geschichten erfunden habe, standen mir sehr zur Seite. Ich habe im Krankenbett das Drehbuch für „Spuk aus der Gruft“ geschrieben.

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Das Dreamteam der „Spuk“-Filme Günter Meyer und C. U. Wiesner. Foto: André Kowalski

Die „Spuk“-Filme sind immer noch sehr beliebt.
Ulli Wiesner und ich hätten 1979 nach „Spuk unterm Riesenrad“ nicht vermutet, dass diese Geschichten eine solche Popularität, ein solches Eigenleben entwickeln. Bei Drehbeginn der einen Serie haben wir schon mit dem Schreiben des nächsten „Spuks“ begonnen. Manchmal gab’s mit der neuen Idee Probleme, weil wir ja immer ein bisschen stichelten. Aber bei Kinderfilmen schaute die Leitung auch nicht so genau hin. Es machte uns Riesenspaß, satirische Spitzen über die reale Wirklichkeit, in der wir lebten, mit Gags noch ein bisschen aufzuziegeln. Zum Beispiel werden die Geister auf dem Alex von Männern in schwarzen Lederjacken beobachtet. Bei der Abnahme fingen Katja Paryla, die die Hexe gespielt hat, und Stefan Lisewski an der Stelle so zu lachen an, dass Wiesner und ich laut hüstelten, um die Abnahmekommission, in der Leute von der Kulturabteilung des ZK der SED saßen, abzulenken.

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Im brandenburgischen Stücken entstand „Spuk aus der Gruft“

Wie kamen Sie eigentlich zum Kinderfilm?
Das war nicht geplant. Ich wollte Krimis drehen. Meine Diplomarbeit an der Filmhochschule habe ich über die Figur der DDR-Agenten in den DEFA-Filmen „For Eyes Only“ und „Schwarzer Samt“ geschrieben. Nach vier Jahren als Regieassistent beim DEFA-Spielfilm bot mir das Dokumentarfilmstudio eine selbständige Regie an für einen Kurzfilm über Kinderzeichnungen. Er hieß „Immer lebe die Sonne“. Ich habe Kinder malen lassen, was sie interessiert. Wir stellten die Bilder auf der Straße aus und befragten Passanten dazu. Ich merkte, dass ich gut mit Kindern kann und sie mit mir, und dass es mir Spaß macht, Filme über und mit Kindern zu drehen. 1972 kam dann der erste Spielfilm, „Die Squaw Tschapajews“, den ich übrigens im Erzgebirge drehte.

Würden Sie heute wieder Kinderfilmregisseur werden?
Ja. Das Tolle an diesem Beruf ist, dass er so viele Möglichkeiten bietet. Als Kind habe ich mir ausgemalt, wie es wäre, unsichtbar zu sein oder einen fliegenden Teppich zu haben. Ich habe kleine Geschichten erdacht, sie auf den Rechnungsblöcken meines Großvaters aufgeschrieben und meinem jüngeren Bruder erzählt. Mit dem Szenarium von C. U. Wiesner zu „Spuk unterm Riesenrad“ öffnete sich das Tor zu einer phantastischen Welt, die ich im Film zur Wirklichkeit werden lassen konnte. Das ist schon toll, wenn man sich als Erwachsener die Märchenträume seiner Kindheit erfüllen kann.

Wenn Sie so viel Freude dabei hatten, warum haben Sie 2005 aufgehört, Filme zu drehen?
Ich war 65 und dachte mir, dass ich mir mehr Zeit für die Enkel nehmen muss. Ich wollte mit ihnen erleben, wie sie die Welt entdecken. Das ist ja bei meinen eigenen Kindern durch die intensive Arbeit bei Film und Fernsehen etwas zu kurz gekommen. Deswegen genieße ich dieses Glück jetzt. Die familiären Bindungen zwischen uns sind sehr eng. Das hat uns meine Mutter vorgelebt.

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Mit seiner Mutter Margarete, die in der Serie „Spuk von draußen“ einen Knopf-Laden hatte. Foto: DEFA-Studio

Ihre Mutter war für Sie und Ihren Bruder die wichtigste Person, denn Ihr Vater kam aus dem Krieg nicht zurück. Sie muss eine kluge und warmherzige Frau gewesen sein, so wie Sie sie in Ihrem Buch „Die Männer meiner Mutter“ beschreiben.
Ja, das war sie. Meine Mutter hat uns Kinder ernst genommen, hat uns viele Freiheiten gelassen, aber mein Bruder und ich mussten natürlich kräftig zu Hause mit anpacken. Das haben wir, nicht immer freudig, ohne Murren gemacht, weil die Mutter uns leid tat ohne einen Mann, der ihr half.

Haben Sie noch eine Erinnerung an Ihren Vater?
Nur über meine Mutter, die das Bild vom Vater sehr emotional in uns wach gehalten hat. Mit Erzählungen, Bildern und später, nach ihrem Tod, erfuhr ich viel aus den Briefen, die sich die Eltern, fast täglich, während des Kriegs geschrieben haben. Meine Mutter trug sie immer bei sich, wenn wir bei Bombenalarm in den Keller mussten. Und so sind sie auch nicht mit unserem Haus verbrannt. Wir fanden immer, er war der beste Vater der Welt, dieses Bild hat sie in uns lebendig gehalten.

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Der zweijährige Günter mit seinem Vater Werner Meyer

Haben Sie einen Vater vermisst?
Nein, der Bruder meiner Mutter war für uns Vaterersatz. Und sein Bauernhof, in den er eingeheiratet hat, war für uns Kinder ein Freizeitparadies. Wir durften reiten, im Heu schlafen. Oder er ist mit uns nachts in den Wald gegangen, um mit uns die Sterne zu beobachten. So etwas mache ich heute auch mit den Enkeln, natürlich ohne den Bauernhof! Meine Mutter hat später noch einen guten Mann und Vater für uns gefunden. Er starb leider bald an Magenkrebs.

Als die Schulbehörde Ihnen 1954 den Besuch der Erweiterten Oberschule und damit das Abitur verweigerte, weil sie der Enkel eines „Ausbeuter“ waren – Ihr Großvater hatte bis zur Enteignung 1945 eine kleine Baufirma in Thum – ist Ihre Mutter mit Ihnen nach Berlin gefahren, zum Ministerium für Volksbildung.
Ja. Sie war eine Powerfrau. Ohne einen Termin zu haben, ist sie bis zum zuständigen Staatssekretär vorgedrungen, hat ihm mein Zeugnis der siebten Klasse auf den Tisch gelegt, und als wir wieder in Thum ankamen, war ich an der Oberschule aufgenommen.

Ihr Großvater sprach immer davon, dass nun „die Roten“ das Sagen haben. Wie sind Sie als Kind mit der Zwiespältigkeit zurechtgekommen, dass Sie zu Hause etwas anderes als in der Schule hörten?
Der Begriff „Rote“ war bei den ehemaligen „Honoratioren“ von Thum ein geflügeltes Wort. Ich habe nicht daran gezweifelt, dass es stimmt, was in der Schule gelehrt wurde. Aber mein Großvater war ein kleiner Bauunternehmer. Wenn er mir sagte, dass er seine Leute nicht ausgebeutet hat, habe ich ihm auch geglaubt. Ich ließ beides nebeneinander stehen, musste nur aufpassen, dass ich mich in der Schule nicht verplappere. Mit diesem ‚Zwiedenken‘ sind viele in der DDR aufgewachsen.

Filmregisseur Guenter Meyer
Der Regisseur Günter Meyer zeigt mir Bilder aus seiner Kindheit. Foto Nikola Kuzmanic

Und später, waren Sie ein Opportunist?
Nein. Ich habe den sozialistischen Weg für möglich gehalten. Für mich war es nur das falsche Personal, das an der politischen Spitze agierte. Gerade in der Kulturpolitik gab es vieles, das ich richtig fand: Dass man versucht hat, allen sozialen Schichten Theaterbesuche zu ermöglichen, die Menschen animierte, gute Literatur zu lesen. Jetzt kommen Theater und Bücher bei vielen gar nicht mehr an. Wir haben auch mit unseren Filmen immer versucht, eine Botschaft und, ja, Ideale zu vermitteln.

Wie ist Ihnen der Übergang in die neue Zeit gelungen? Viele Regisseure in Ihrem Alter – Sie waren 50 als alles anders wurde – bekamen keine Aufträge mehr.
Während der Umbruchzeit habe ich ständig gedreht, weil ich vorher einige Projekte bei der DEFA und beim Fernsehen angeschoben hatte, die fast parallel in Produktion gingen. 1989 habe ich den Film „Olle Hexe“ gedreht, der 1990 ins Kino kam, fast zur gleichen Zeit begannen die Vorbereitungen zur neunteiligen Serie „Sherlock Holmes und die sieben Zwerge“, eine der letzten Produktionen des DDR-Fernsehens. Dazwischen gab es noch zwei Dokumentarfilme, einen davon über den Troja-Ausgräber Heinrich Schliemann. 1992 habe ich dann mit Autor Andreas Püschel für den ORB, inzwischen rbb, die Kriminalreihe „Täter, Opfer, Polizei“ entwickelt, die heute noch läuft.

1993 drehten Sie die Serie „Die Trotzkis“, die damals einen „Aufstand“ ausgelöst hat. Sie sei eine Verhöhnung der DDR-Bürger.
Es war eine Comedy-Serie, vielleicht nicht in allen Punkten geglückt, aber auf die Idee für den Serienvorspann bin ich heute noch stolz: Eine DDR-Familie (mit Heinz Rennhack als Vater) sitzt auf dem Sofa, jeder beißt genüsslich in eine Banane und im Fernsehen brüllen die Nachrichten „Wir sind ein Volk“. Die „Bildzeitung“ hat damals eine heftige Kampagne gegen uns gestartet. Einen Medienangriff in so kompakter Form hatte ich noch nicht erlebt. Aber wir hatten sehr hohe Einschaltquoten – immer sechs, sieben Millionen Zuschauer.

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Bei den Dreharbeiten für „Kai aus der Kiste“ 1987. Links Christoph Zeller als Kai. Foto: Dieter Jaeger

Welche Jahre waren für Sie die besten?
Wenn ich drehen konnte, war es immer ‚die beste Zeit‘ für mich. Jeder Film, den ich gerade machte, war mein Favorit. In der DDR war es aber ein anderes Arbeiten. Da stand nicht der Kommerz dahinter, da ging es um Themen, in meinem Fall für Kinder: Ist es interessant für sie, kann man es attraktiv, bei mir oft lustig, erzählen und passt es auch politisch!

Welcher Ihrer eigenen Filme ist Ihr Lieblingsfilm?
Schwere Frage. Sicher gehört „Kai aus der Kiste“ dazu. „Spuk unterm Riesenrad“ ist die bekannteste Serie, aber mein Herz hängt an „Spuk von draußen“, nicht nur, weil er im Erzgebirge spielt. Der skurrile Opa Rodenwald und sein Geheimkeller begeisterten nicht nur Kinder. Da gibt es viele Szenen, die auch heute meinen fernsehgewöhnten Enkeln gefallen.

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Opa Rodenwald aus „Spuk von draußen“ ist ein Roboter. Das ist sein „echter“ Kopf

Die Geschichte im Erzgebirge anzusiedeln war Ihre Idee. Pflegen Sie noch die Traditionen Ihrer Heimat, da Sie ja seit 50 Jahren in Berlin leben?
Ja, natürlich. Weihnachten schmücke ich die Wohnung mit Engeln, Pyramiden, Bergleuten, Lichttürken, Räuchermännchen – dazu brauche ich fast eine Woche, so viele sind es inzwischen geworden. Ganz besonders wird die Heiligabend-Tradition bei uns gepflegt, so wie ich es aus meiner Kindheit kenne. Da gibt es das ‚Neinerlää‘, neun verschiedene Gerichte mit symbolischer Bedeutung: Bratwurst vom Schwein, damit man das ganze Jahr „Schwein hat“, Linsen fürs Kleingeld, Klöße fürs große Geld, Semmelmilch – in Milch eingeweichte Semmeln – für die sanfte schöne Haut der Frauen, Pilzsuppe und Heidelbeeren für die Gesundheit und Selleriesalat zur Stärkung der männlichen Potenz, dazu Salz und Brot. Meine Frau peppt die karge Mahlzeit für die Schwiegersöhne noch etwas auf, in dem sie Luft (Ente) und Wasser (Fisch) hinzufügt.

Essen spielt eine große Rolle in Ihrem Buch. Haben Sie Hunger gelitten?
Als Kinder hatten wir immer Hunger. Ich erinnere mich an Suppe aus Brennnesseln oder Mangold oder die ‚Fitzfädensuppe‘, da schwammen geriebene Kartoffelfädchen im Wasser. Gegen den faden Geschmack gab es viel Petersilie dazu. Toll in Erinnerung habe ich den Mohnkuchen meiner Großmutter. Der Belag war allerdings kein Mohn, sondern Kaffeesatz mit etwas Zucker. Da haben wir Kinder immer gierig zugelangt. Wenn ich sehe, was Menschen heute so an Essen wegwerfen, blutet mir das Herz.

Ihr Buch ist auch eine Hommage an die alleinstehenden Mütter der Nachkriegszeit.
Ja. Die Männergesellschaft hat mit dem Krieg den Karren in den Dreck gefahren und wer musste ihn wieder herausziehen? Millionen Frauen wie meine Mutter hielten ihre Familie über Wasser, sie haben ihre Kinder – meine Generation – großgezogen, ernährt, ihnen den fehlenden Vater ersetzt und dabei immer wieder auf eigene Wünsche verzichten müssen. Es war aber bei allen Schwierigkeiten auch eine Zeit, in der es viel Anrührendes gab, die Menschen haben sich geholfen. Es war – trotz allem – eine schöne Kindheit, wie man im Buch nachlesen kann.

In memorium DEFA-Legende Kurt Maetzig. Sein Prinzip hieß Wahrheit

Es gibt Menschen, die sollten, nein, dürften nie vergessen werden. Für das, was sie bewegt haben, für das, was sie wollten und dafür, dass sie einfach großartige Menschen waren. Für mich ist DEFA-Regisseur Kurt Maetzig so ein Mensch. Heute, am 25. Januar, wäre er 105 Jahre alt geworden. Insofern lichtet sich die Reihe derjenigen, die ihn kannten, denen sein Name noch etwas sagt oder die seine Filme gesehen haben. „Ehe im Schatten“, „Die Buntkarierten“ ,„Rat der Götter“, „Schlösser und Katen“ – die heute eigentlich wieder in den Geschichtsunterricht gehörten – oder sein zweiteiliges Epos über den kommunistischen Arbeiterführer Ernst Thälmann, das ihn in die Ecke eines Parteipropagandisten beförderte.

Ich habe all diese Filme als Zwölf-, Dreizehnjährige im Testprogramm des Deutschen Fernsehfunks gesehen, das jeden Tag mittags von halb zwei bis drei Uhr lief. Mit ihnen ging ich in eine Zeit, die ich nicht erlebt habe, die aber als jüngste Vergangenheit noch nah genug war, um mental in Beziehung mit dem Geschehen zu treten. Damals hätte ich nie vermutet, dass ich einmal den Mann, der sie gemacht hat, kennenlernen und ihm in Gesprächen näher kommen würde. Am 8. August 2012 ist Kurt Maetzig gestorben. Da war er 101 und ein halbes Jahr alt. Von einem Tag auf den anderen konnte er die Beine nicht mehr bewegen, war ans Bett gefesselt. Sein wacher Geist, der kurz zuvor noch in einem beweglichen Körper wohnte, konnte das nicht hinnehmen. Er schaltete die Lebensfunktionen ab.

Der Filmemacher Maetzig war ein Avantgardist, ein mehrfacher. „Einer muss immer der Erste sein“, sagte er mit der Weisheit des Alters. Bei ihm habe es sich aus den Umständen ergeben. Mit zwölf baute er sich sein erstes Radio, noch bevor es etwas zu empfangen gab. Erst nach Wochen tat sich etwas in dem Apparat. „Es rauschte, dann hörte ich wie eine Stimme meldete: Sie hören die erste Probesendung der Berliner Funkstunde. Ich holte mir bei der Post ein Abonnement und war der Radiohörer Nummer 1 in Berlin.“

Das erfuhr ich so nebenbei, als ich Kurt Maetzig 2008 zum ersten Mal besuchte. Er blieb Zeit seines Lebens ein Technik-Freak. Zum 90. Geburtstag schenkte die DEFA-Stiftung dem Mitgründer der international renommierten DDR-Filmstudios in Babelsberg eine Homepage. Er kaufte sich einen Computer und eroberte sich das Internet als Tor zur Welt, als Kommunikationsmittel. Das Wichtigste war ihm, immer den Durchblick im politischen und gesellschaftlichen Weltgeschehen zu haben.

Kurt Maetzig ; Regisseur, 1. Bambi-Gewinner
Bambi-Premiere – Regisseur Kurt Maetzig erhielt 1948 für seinen Film „Ehe im Schatten“ den gerade ins Leben gerufenen Kinopreis der „Film-Revue“

Der Anlass für meinen Besuch damals war ein ganz besonderer. Die Verleihung des „Bambi“ feierte in dem Jahr 60. Geburtstag. Die Auszeichnung war 1948 von dem Karlsruher Verleger Karl Fritz und seiner Zeitschrift »Film-Revue« als Kinopreis ins Leben gerufen worden. In der Liste der Preisträger standen für das Jahr die Schauspieler Jean Marais und Marika Rökk. Den damals wichtigsten „Bambi“-Gewinner hatte man vergessen: den DEFA-Regisseur Kurt Maetzig. Sein Debütfilm „Ehe im Schatten“ war 1947 die erfolgreichste Kinoproduktion und 1948 zum besten deutschen Nachkriegsfilm gewählt worden. Der gerade 37-Jährige – und hier war er wieder Avantgardist – hat sich als erster deutscher Regisseur auf der Leinwand mit dem Antisemitismus und den Folgen der Nürnberger Rassengesetzen im „Dritten Reich“ auseinandergesetzt. „Ehe im Schatten“ ist die Geschichte des Schauspieler-Ehepaares Joachim Gottschalk und seiner jüdischen Frau Meta, das 1941 den Freitod wählten, statt ihre Liebe preiszugeben.

Geschehnisse, die auch mit Maetzigs Leben zu tun hatten. Seine Mutter war die Tochter einer wohlhabenden jüdischen Hamburger Teehändlerfamilie. Die Eltern ließen sich scheiden, damit der Vater seinen Betrieb, eine Film-Kopieranstalt, nicht verliert. Der Sohn blieb bei der Mutter und konnte nicht verhindern, dass sie sich 1943 vergiftete, nachdem sie den Deportationsbescheid erhalten hatte. „Als ich 1945 zur DEFA kam, war nicht klar, dass ich Regisseur werde. Aber als die Novelle Es wird schon nicht so schlimm von Hans Schweikart auf meinem Schreibtisch lag, wusste ich, das muss ich selbst machen“, erinnerte sich der Sohn. Der Schauspieler und Regisseur Schweikart († 1975), in erster Ehe mit der jüdischen Schauspielerin Käthe Nevill verheiratet, geriet wie Maetzigs Eltern unter den Druck der Rassengesetze. Käthe Nevill wanderte nach Palästina aus. Den „Halbjuden“ Kurt Maetzig bewahrten seine Forschungen auf dem Gebiet der Filmtechnik und der Photochemie vor dem KZ, denn der Film war für die Nationalsozialisten zu einem wichtigen Instrument der ideologischen Manipulation des deutschen Volkes geworden, und seine Arbeiten wurden als wichtig angesehen.

Die Befreiung im Mai 1945 begrüßte Maetzig, der ein kleines Labor in Werder betrieb, zusammen mit 20 Zwangsarbeitern, zu denen er Kontakt bekommen hatte. „SS-Leute hatten vor meinem Labor einen Franzosen niedergeschlagen und liegen gelassen. Ich habe ihn reingeholt, in mein Bett gelegt und gesund gepflegt. Diese kleine Geste, die für mich selbstverständlich war, brachte mir das Vertrauen der Leute ein. Als die Rote Armee einrückte, versammelten wir uns in meiner Wohnung, und ich habe eine Flasche Wein aufgemacht, einen 1933er Chateau d’Yquem. Er war in dem Jahr gekeltert worden, in dem Hitler an die Macht kam. Ich hatte mir damals geschworen, die Flasche an dem Tag zu öffnen, an dem seine Macht zu Ende ist“, erzählte er.

Fortan ging es ihm um nichts mehr und nichts weniger als eine gerechte Welt, eine Welt ohne Faschismus, eine Welt, in der die Menschen Frieden haben. Er gehörte zu den Leuten, die das Ende als Anfang verstehen konnten. Nichts schien in dieser Zeit nach einem Krieg mit fast 70 Millionen Toten einleuchtender, als die Gesellschaft anders zu machen. Für diese Überzeugung, dieses Ideal trat er mit seinen Filmen an, wollte die gute Sache befördern. Kompromisslos sein in der Auseinandersetzung mit Vergangenem wie Gegenwärtigem. In einem Gespräch anlässlich seiner Ehrung mit dem DEFA-Stiftungspreis kurz vor seinem 100. Geburtstag resümierte er: „Wie meine Mutter immer sagte: Alles hat seine zwei bis 17 Seiten. Und wenn nicht 17, so ist doch zu erkennen, dass die Kunst fast immer mehrere Deutungen zulässt. Das sind ihre Schönheit und Stärke, aber auch die Quelle von Misshelligkeiten und Enttäuschungen. Mein Bestreben, mich immer der Wahrheit zu nähern und künstlerisch zu gestalten, war die feste Linie in meinen Planungen. Es ist nicht immer gelungen.“

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Kurt Maetzig 2006 zum 60-jährigen DEFA-Jubiläum mit Berlins OB Klaus Wowereit und Brandenburgs Ministerpräsident Matthias Platzeck. Foto: Michael Handelmann

Sein gesellschaftskritischer Film „Das Kaninchen bin ich“, wanderte 1965 wie viele andere DEFA-Produktionen dieses Jahres als „staatsfeindlich“ in den Giftschrank. Zwei Jahre später kam „Das Mädchen auf dem Brett“ in die Kinos, in seinen Augen der ehrlichste Film in der nachfolgenden Zeit der Kompromisse. Ausnahme vielleicht „Januskopf“ mit Armin Mueller-Stahl, der die aktuellen Probleme der Humangenetik visionär vorwegnahm. 1975 drehte Kurt Maetzig seinen letzten Film, nahm mit 65 Abschied von der DEFA, die jahrzehntelang seine Heimat war. Die ihm „mehr als das Land oder der Ort oder die Straße oder der familiäre Umkreis“ bedeutet hat. „Ich wollte keine Kompromisse mehr machen, die ja nicht weniger geworden wären.“ Ich fragte ihn, welchen Film er drehen würde, wenn er die Chance dazu hätte. „Ich würde Voltaires „Candide oder Der Optimismus“ verfilmen. Candide geht durch alle Schrecknisse der Welt, ausgerüstet mit den Lehren seines Lehrers Pangloss, der ihm gesagt hat: Es ist zwar schrecklich auf der Welt, es passieren überall furchtbare Sachen, aber es ist doch die bester aller Welten, die beste, die wir uns vorstellen können.“  Und so empfand es auch der Filmemacher Maetzig.

 Interview aus dem Jahr 2008.

Kurt Maetzig ; Regisseur, 1. Bambi-Gewinner
Regisseur Prof. Kurt Maetzig am 26. 3. 2008 in seinem Haus. Foto: Boris Trenkel

Was war das Besondere an „Ehe im Schatten“? 
Die Aufführung des Films 1947 war ein kulturelles Ereignis ersten Ranges. Und das wurde auch dadurch unterstrichen, dass es der einzige und letzte deutsche Film war, der in allen vier Berliner Sektoren am selben Tag seine Uraufführung erlebte – am 3. Oktober 1947. Und er fand im Osten wie im Westen große Beachtung. „Ehe im Schatten“ ist der erste deutsche Film, der sich mit der Verfolgung der Juden in der Nazizeit beschäftigt hat. Und das in einer Form, die die verhärteten Herzen aufzuschließen vermochte. In Westdeutschland hat man das Thema überhaupt nicht aufgegriffen. Man hat es verscharrt. Weg damit, gar nicht daran denken. Und möglichst nicht darüber reden.

Wie reagierte das Kinopublikum?
Als der Film zu Ende war, blieben die Leute erschüttert sitzen. Tief betroffen und oft sehr erschüttert. Es gab keinen Beifall, es stand auch niemand auf, um wegzugehen. Es war minutenlang still – und ich weiß als Regisseur, wie lang eine Minute ist. Dann standen sie auf und verließen schweigend das Kino. Nicht nur in Berlin, auch in München und Hamburg, wo ich zu den Premieren war. Diese Erschütterung des Publikums war einmalig in dieser Zeit, in der große Depression herrschte, weil sich das, woran die Leute geglaubt hatten, nicht eingestellt hatte. Der Endsieg war nicht eingetroffen, das Hitlerreich zusammengebrochen. Und nun plötzlich ein so tiefes Erlebnis, ein so tiefer emotioneller Zugang zur Gegenposition zu dem, was sie zwölf Jahre von den Nazis gehört hatten. Das war eine enorme Sache.

Prof. Kurt Maetzig , erster Bambigewinner
Nach 60 Jahren darf ich ihm im Dezember 2008 eine Kopie seines ersten Bambis, das zerbrochen ist, seinem Haus in Wildkuhl überreichen. Foto: Boris Trenkel

Was empfanden Sie? 
Das hat die Presse natürlich registriert und gedeutet. Und es hat auch in mir Hoffnungen und vielleicht sogar Illusionen ausgelöst darüber, was die Kunst vermag. Ob sie tief eingewurzelte Vorurteile wie Antisemitismus zu überwinden vermag. Ich hatte mir gedacht, wenn das überall so ist – und das war überall so –, dass das Ansehen dieses Films eine solche Erschütterung auslöst, wird das auch in der Tiefe die Einstellung der Menschen zu Fragen wie Antisemitismus von Grund auf verändern. Es passierte nicht. Er kommt wieder. Eine Sache auszumerzen, die sich über tausend Jahre im deutschen Volk und auch anderen Völkern verwurzelt hat, ist nicht mit einem Film und auch nicht mit zehn guten Filmen zu leisten.

Glauben Sie heute noch, dass Kunst die Menschen beeinflussen kann?
Das war meine Überzeugung, die mich durch die Jahrzehnte meiner schöpferischen Tätigkeit geleitet hat. Dafür bin ich angetreten. Ich gehe nicht so weit, dass ich heute sage, Kunst hat überhaupt keine Wirkung. Ich glaube nach wie vor, dass eine solche verändernde Wirkung möglich ist. Doch ich schränke das jetzt sehr ein. Die Kunst wirkt tropfenweise über lange Strecken. Nicht so schnell, so direkt und so eindeutig, wie wir uns das gedacht und gewünscht haben. Es sind doch nur begrenzte Wirkungen.

Also hatten Sie sich – und alle, die daran glaubten – einer Illusion hingegeben? 
Es war eine Utopie, eine richtige Utopie. Eine, die danach drängt, sich zu verwirklichen. Sie bleibt ein Fernziel, dem man sich schrittweise nähern kann. Es als Illusion abzutun, würde ich nicht für richtig halten. Das wäre der Ausschlag des Pendels nach der anderen Seite. Alles Große, was die Menschheit geschaffen hat, begann als Utopie, wird angestrebt und schrittweise verwirklicht. Die Demokratie ist auch so eine Utopie. Das heutige System, das wir haben, schon als Demokratie zu bezeichnen, halte ich für übertrieben. Wahlen allein machen keine Demokratie. Die sind nur ein Schritt auf dem Weg.

Warum haben Sie „Ehe im Schatten“ gemacht?
Hans Schweikart, damals Intendant der Münchner Kammerspiele, schickte mir auf vier Schreibmaschinenseiten eine Erzählung, die der Abriss für den Film wurde. Als ich sie gelesen hatte, wusste ich sofort, ich muss diesen Film selbst machen, denn ich hatte im Familienkreis, auch im Kreise meiner Freunde ähnliche schreckliche Schicksale in allen Nuancen erlebt. Und dieses Gefühl: Das muss ich machen, war mein Antrieb.

Kurt Maetzig ; Regisseur, 1. Bambi-Gewinner
Er war dem Leben und den Menschen zugetan. Foto: Boris Trenkel

Also war der Film für Sie die Verarbeitung der eigenen Familiengeschichte? Ihre Mutter war jüdischer Abstammung und nahm sich 1943 das Leben. 
Ja. Aber nehmen Sie bitte ernst, was im Vorspann des Films steht. „Dieser Film ist all denen gewidmet, die als Opfer fielen.“ Das sind die vielen jüdischen Opfer, aber nicht nur sie. Es ist ein antifaschistischer Film geworden. Mir war wichtig, dass das ein Film wird, der die beiden Gegenpole, die Faschisten auf der einen und die Opfer auf der anderen Seite, nicht als Extreme zeigt. Der Film beschränkt sich auf ein ganz kleines Spektrum von Menschen – Künstler, Intellektuelle. Mir hat sehr daran gelegen, das Thema der Judenverfolgung in Deutschland mit dem Opportunismus der bürgerlichen Intellektuellen zu verweben. Darum kommen immer wieder solche dummen Sprüche vor wie: „Es wird schon nicht so schlimm“. Und: „Das betrifft uns doch gar nicht…“ Statt gegen die Sache zu kämpfen, versuchte jeder, nur durchzukommen. Also reiner Opportunismus. Man konnte sich das Schrecklichste auch gar nicht vorstellen. Die Unterdrückung und schließlich Vernichtung der Juden vollzog sich in kleinen Schritten. Es kamen immer neue Gesetze. Und ich hörte: „Na ja, damit ist ja nun die äußerste Grenze erreicht. Nun kann nichts Schlimmes mehr passieren…“ Diese enge Verknüpfung des Opportunismus der Intellektuellen mit dem Thema der Judenverfolgung ist das, was ihn künstlerisch zur Tragödie macht. Diese eigene Mitschuld an dem, was passierte, ist keine Schuld im politischen Raum, keine Schuld, für die man jemand vor Gericht stellen könnte.

Sie waren 1933, als Hitler an die Macht gehievt wurde, 22 Jahre. Hatten Sie damals schon eine Ahnung, wohin dieser Weg führt?
Natürlich habe ich nicht von Anfang an gewusst, was Hitler uns bringt. Es hat sich mir stückweise entschleiert. Und ich habe die Nazizeit als ein Antifaschist erlebt und fest damit gerechnet, dass der Faschismus am Ende des Krieges besiegt sein wird. Ich habe immer darauf gehofft, dass das ganze Volk Hitler bekämpft, wenn es erkennt, welches Unheil er über die Welt bringt.

100. Geburtstag von Kurt Maetzig
Meine letzte persönliche Begegnung mit Kurt Maetzig bei der Gala anlässlich seines 100. Geburtstages im Filmmuseum Potsdam. Foto: Boris Trenkel

Das war sehr mutig.
Was ist Mut? Die Überwindung der Angst. Und ich hatte Angst. Ich habe sehr genau gewusst, wie gefährlich es ist, sich gegen Hitler zu stellen, und ich musste meine Angst überwinden. Ich habe mich damals in schwerster Situation auch an den deutschen Klassikern festgehalten. Bei Schiller habe ich in der „Vorrede zur Geschichte des Abfalls der Niederlande“ den Satz gefunden: „Groß und beruhigend ist der Gedanke, dass gegen die trotzigen Anmaßungen der Fürstengewalt endlich noch eine Hilfe vorhanden ist. Dass der Widerstand eines ganzen Volkes auch den gestreckten Arm eines Despoten beugen, edelmütige Beharrung seine Hilfsquellen endlich erschöpfen kann.“ Solche Gedanken haben mich geleitet, dadurch bin ich Antifaschist geworden.

Sie haben sich dann mit Ihrer Kunst für den Sozialismus engagiert. Trifft es Sie, wenn man Sie als einen Propagandisten der DDR bezeichnet?
Nein, das trifft mich überhaupt nicht. Propaganda heißt ja nichts anderes, als eine Sache befördern wollen. Und die Ziele, die sich dieser Staat gestellt hat, waren auch meine Ziele. Was glauben Sie, was es für eine Erschütterung war, als wir 1956 von den stalinistischen Verbrechen erfuhren. Von den umgebrachten unschuldigen Menschen. Wie sollte man damit weiterleben? Da habe ich mich damals zu der Sicht durchgerungen: Das, was da geschehen ist, hat die Idee des Sozialismus beschmutzt, die Sache, der wir gedient haben, diskreditiert. Aber das Ziel, das wir erreichen wollen, eine Welt ohne Faschismus und Krieg, bleibt unbeschädigt. Es ist auch heute mein Ziel, nach wie vor gültig als Ideal. Es ging immer darum, eine gerechte Welt, eine Welt ohne Faschismus und Krieg zu haben. Und das hatte bis 1989 auch eine große Strahlwirkung auf Westdeutschland.

 

 

Václav Vorlíček – Der König der Märchenkomödien

Prag eine Sehnsucht, die mich nie losgelassen hat, seit ich in den Siebzigern zum ersten Mal über den Wenzelsplatz gelaufen bin, mit staunenden Augen durch die verschlungenen Gassen der Altstadt schlenderte und das Flair Jahrhunderte langen Lebens in mich aufnahm.

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Auf dem Altstädter Ring

Abends saß ich damals mit Freunden in einem kleinen, urigen Weinkeller, dessen Namen ich vergessen hatte, und den ich später auch nicht wieder fand. Im Gedächtnis behielt ich nur das vage Bild einer steilen Wendeltreppe, die in ein tief unten gelegenes Gewölbe führt. Das Internet half mir jetzt auf die Sprünge: U Stare Studny – Am alten Brunnen – heißt die unterirdische Weinstube, in die sich kaum ein Tourist verirrt. So versteckt liegt der Eingang zwischen zwei Schaufenstern auf der Mala Strana.

Inzwischen ist es auch schon wieder eine Ewigkeit her, dass mich ein Interview mit dem Regisseur des Märchenklassikers „Drei Haselnüsse für Aschenbrödel“  fast drei Jahrzehnte später wieder in die „Goldene Stadt“ verschlug. Es war Ende November 2007, scheußliches Wetter. Der Wind fegte über die Karlsbrücke und uns Schneeregen ins Gesicht, als ich mich mit Václav Vorlíček traf. Wir kannten uns nicht, und doch erkannten wir uns sofort, als er vor dem Café Savoy an der Vítězná aus der Straßenbahn stieg. Ein eleganter älterer Herr, hochgewachsen, mit kariertem Hut und Lederjacke. Eine große Brille betont die tief dunkelbraunen Augen, die Freundlichkeit und Wärme ausstrahlen.

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Mit Vacláv Vorlíček auf der Karlsbrücke. Foto: Boris Trenkel

Siebenundsiebzig war er damals, wirkte jedoch weit jünger. Daran hat sich nichts geändert. Auch wenn er sich heute wegen eines Unfalls auf einen Stock stützt. Eine wunderbare Freundschaft entstand damals zwischen uns, der ich aufregende Begegnungen mit den Märchenhelden meiner Kindheit und hier nun zu lesende Geschichten verdanke. Ich lernte Marie Kyselková († 21. Januar 2019) und Josef Zíma kennen, Prinzessin Lada und Prinz Radovan aus meinem Lieblingsmärchenfilm „Die Prinzessin mit dem goldenen Stern“. Für einen Beitrag zu seinem Film „Der Prinz und der Abendstern“  trommelte Václav Vorlíček für mich die Hauptdarsteller Zlata Adamovská, Julie Jurístová, Ivana Andrlová und Juraj Durdiak zusammen. Der „Prinz“ reiste extra aus dem 300 km entfernten Bratislava an, wo er lebt und ein Theater leitet.

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Ivana Andrlová und Juraj Durdiak mit ihrem „Vacek“ vor Schloss Ploskovice, das die Kulisse für das Märchen „Der Prinz und der Abendstern“ war. Foto: Jürgen Weyrich

Wenn „ihr Vácek“ sie braucht, sind seine Schauspieler zur Stelle. Verschieben Theaterproben oder nehmen sich von Großmutterpflichten ein paar Stunden frei. Das habe ich immer wieder erlebt. Nur eine fand nie Zeit. Libuše Šafránkova, seine „Popelka“, wie Aschenbrödel auf tschechisch heißt. Ich werde nie die Traurigkeit im Gesicht des alten Mannes vergessen, als sie zwei Minuten vor dem Termin ein versprochenes Interview zu seinem Film Wie ertränkt man Dr. Mràček – oder Das Ende der Wassermänner in Böhmen“ absagte, in dem sie eine Hauptrolle spielte.

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1973 bei den Dreharbeiten für Aschenbrödel.

Vor 40 Jahren öffnete Václav Vorlíček der damals 19-Jährigen mit der Hauptrolle in seinem Film „Drei Haselnüsse für Aschenbrödel“ das Tor zu einer großen Karriere, verschaffte ihr eine bis heute andauernde internationale Popularität. Er mochte die hübsche Libuše Šafránkova, die reiten konnte wie der Teufel und ihn mit ihrem Talent und ihrer Natürlichkeit als perfekte Darstellerin für das arme, aber emanzipierte und freche Aschenbrödel überzeugte. Über all die Jahre hielten sie Kontakt. „Es waren immer fröhliche Gespräche, wenn wir uns getroffen haben“, erinnert er sich. Diese Freundschaft hat die Schauspielerin an jenem Tag im Juli 2013 zerstört. Wir sprachen nie wieder von ihr.

Als ich kurz vor Weihnachten mit Václav Vorlíček telefonierte, erzählte er, dass ihn eine norwegische Filmproduktion eingeladen hat. „Sie wollen ein Remake von meiner Popelka mit norwegischen Schauspielern drehen.“ Ihm hatte man die Regie angeboten. Er war skeptisch. Vor einigen Tagen nun rief ich ihn an, um zu hören, wie er ins neue Jahr gekommen ist und was er vorhat. Denn er ist immer auf der Suche nach neuen Filmstoffen. Neben seinem Bett stapeln sich links und rechts Bücherberge. Augenzwinkernd hat er mir mal verraten: „Irgendwoher muss ich meine Ideen ja nehmen.“ Und die führten bis jetzt zu fast hundert Filmen, Fernsehserien, Drehbüchern und Dokumentationen. Viele gewannen Preise, wurden ins Ausland verkauft wie die Parodie „Wer will Jessie töten? und das utopische Comedy-Abenteuer à la 007 „Exit-Agent W4C“, die dem damals Mittdreißiger internationales Ansehen bis in die USA einbrachten. „Ich habe das Glück, Filme machen zu können, die international verständlich sind“, erzählte er mir. Sein besonderes Talent.

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Im November 2007 durften Fotograf Boris Trenkel und ich Václav Vorlíček im Studio Barrandov besuchen, wo er gerade „Saxana und die Reise ins Märchenland“ produzierte

William Snyder, der bekannte amerikanische Filmproduzent, holte das Erfolgsduo Václav Vorlíček und Miloš Macourek – er war der Drehbuchautor – 1969 nach New York. Zwei Monate waren sie dort und arbeiteten an einem Remake von „Wer will Jessie töten“ in Farbe mit. Das Original war schwarzweiß. Dieser Reise erwuchs die verrückte Komödie „Sir, Sie sind eine Witwe!“, die wiederum ein Publikumserfolg wurde, auch international. Danach folgte die Märchenkomödie „Das Mädchen auf dem Besenstiel“ mit der populären Sängerin Petra Černocká in der Titelrolle. Vacláv Vorlíček bewegte sich nun nach ganz oben auf der Liste der wichtigsten tschechischen Film- und Fernsehregisseure. Sein Meisterstück wurde 1973 Tři oříšky pro Popelku“ – „Drei Haselnüsse für Aschenbrödel“. Die Frage, in Amerika zu bleiben, stand für ihn damals übrigens nicht. „Ich hatte meine Frau und meine zwei Töchter in Prag, und Amerika ist nicht das Land für tschechische Patrioten.“ Davon ist er bis heute überzeugt, wenngleich der Sozialismus in der damaligen ČSSR nicht das Non-plus-Ultra seiner Lebensvorstellung war.

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Ich kann immer nur wieder staunen über die schier unerschöpfliche Kreativität dieses wunderbaren Menschen. Film, Fernsehen, Theater – Václav Vorlíček hat gut zu tun, als Regisseur und Autor.  Auch ist sein Urteil gefragt, wenn es um die Regiearbeit junger Filmemacher geht. Für das bevorstehende tschechische „Junior-Festival“ hat er ein volles Programm. „Ich muss mir über 50 Filme ansehen und meine Meinung dazu abgeben“, sagt er.  Das norwegische Angebot für die Regie des Remakes von „Popelka“ hat er nicht angenommen. „Ich müsste verrückt sein, noch mal einen Film zu drehen, den ich schon gemacht habe. Außerdem habe ich mir geschworen, nie wieder einen Film im Winter zu drehen. Sollen sie es machen, wie sie wollen. Aber es wird schwer sein, eine Cinderella wie Libuschka zu finden“, erklärt er. Und er weiß, wovon er spricht.

Es war  eisig als „Drei Haselnüsse für Aschenbrödel“ im Januar/Februar 1973 in Svihov und Moritzburg gedreht wurde. Minus 17 Grad. Für Mensch und Tier unvorstellbare Strapazen. Um schnell fertig zu werden, ins Warme zu kommen, arbeitete er jeden Tag fast ohne Pause. „Ich hatte für den Notfall immer eine Rolle Kekse und eine Wurst in der Tasche“, erinnerte er sich in unserem Interview 2007. Anstrengung, unregelmäßiges Essen – er holte sich eine schwere Entzündung der Gallenblase. Nach seiner Operation stand für ihn fest, er wird nie wieder einen Film im Winter drehen.

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Václav Vorlíček produzierte die meisten der tschechischen Märchen. Foto: Boris Trenkel

Es hat seiner Karriere nicht geschadet.  Als ich ihn jetzt fragte, ob er manchmal ans Aufhören denke, schüttelte er nur den Kopf. Seit dem Tod seiner Frau vor einigen Jahren sorgen die Töchter Katja und Suzanna dafür, dass sein Kühlschrank immer voll ist, seine Enkelin kümmert sich um den Haushalt des Großvaters. „Ich bin gut versorgt, mach dir keine Sorgen“, beruhigte er mich vor zwei Jahren nach seinem schweren Unfall. Ein Auto hatte ihn am Fußgängerüberweg überfahren. „An mir war kein Knochen heil. Aber der liebe Gott“, er lachte und zeigte mit dem Stock nach oben, als wir uns einige Monate später sahen, „hat noch keinen Platz für mich.“

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Szene aus „Saxana und die Reise ins Märchenland“

In den letzten Jahren hat er viel fürs  Fernsehen gearbeitet und nebenher die Fortsetzung der Fantasiegeschichte „Das Mädchen auf dem Besenstiel“ gedreht. „Saxana und die Reise ins Märchenland“ kam 2011 ins Kino. Irgendwann habe ich ihn mal gefragt, worin das Geheimnis seines Erfolgs liegt. Er zuckte die Schultern. „Ich weiß nicht. Es gibt keins.“

Der 1930 geborene Prager hat eben ein Gespür für filmische Wirkungen und immer Ideen, wie man sie erzielt. Poesie, Witz und Humor sind die Basis. Kulisse, die Auswahl der Darsteller und die Filmmusik machen sein Erfolgsrezept komplett. Schon in seinen Studentenfilmen favorisierte er Parodie und Komödie als sein Genre. Er wagte sich das auch bei politischen Themen. In seinem Diplomfilm „Die Richtlinie“ (1955) nahm erdas Reiseverbot ins Ausland aufs Korn. „Wir durften nicht mal nach Warschau fahren“, erklärte er mir. In der ČSSR war die Lage Anfang der 50er Jahre sehr schwierig. Eine Inflation hatte zu einer Abwertung der Währung geführt.

Mit seinem Konzept, das heikle Thema mit Witz und Ironie zu betrachten, schaffte es der damalige Student der Film- und Fernsehfakultätder Akademie der musischen Künste in Prag, der FAMU, Schauspielergrößen wie Vlastimil Brodský (bekannt aus dem DEFA-Film „Jakob der Lügner“) und Miloš Kopecký  für seinen Abschlussfilm zu gewinnen. „Ja, wenn das eine Komödie wird, machen wir das“, willigten sie ein. Sei drehten ohne Honorar. Den Film entdeckte Vorlíčeks Enkel Tomas, heute Drehbuchautor, während seines Studiums im Archiv der Filmhochschule und hat ihn für den Großvater kopiert. Für den war das eine echte Überraschung, denn er wusste nicht, dass der Film noch existiert.

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Im Juli 2013 trafen wir uns auf der Insel Kampa mit Jaromír Hanzlík, der die Titelrolle in der Märchenkomödie „Wie ertränkt man Dr. Mraček…“ spielte. Foto: Jürgen Weyrich

Mit Miloš Kopecký verband Václav Vorlíček bis zu dessen Tod 1996 eine enge Freundschaft. 1974 drehten sie zusammen die herrlich groteske Märchenkomödie „Wie soll man Dr. Mráček ertränken? oder Das Ende der Wassermänner in Böhmen“. Damit ließ Vacláv Vorlíček eine Legende lebendig werden, die ihn und seine Freunde als Kinder zu großen Mutproben herausgefordert hatte. Wir saßen bei unserem Gespräch über den Film auf der Prager Moldau-Insel Kampa, seinem Lieblingsplatz. „Als Jungs sind wir hier getaucht, obwohl die Erwachsenen uns das verboten haben. Uns würden die Wassermänner holen, warnten sie. Ganz tief unten auf dem Grund sollten sie hausen, die letzten Herrscher der böhmischen Gewässer. Wir hatten Angst, aber wir waren auch neugierig und sind von einem hohen Felsen in den Fluss gesprungen. Versuchten, auf den Grund zu tauchen. So sehr wir uns auch bemühten, einen Wassermann haben wir nie zu Gesicht bekommen“, lachte er. Also ließ er als Regisseur seine Fantasie spielen und holte die Fabelwesen in einem Film ans Licht.

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Freunde auf Lebenszeit. Foto: Jürgen Weyrich

Unter seinen vielen Filmen sind seine acht Märchen die beliebtesten. Nun hat er das Drehbuch für ein neuntes auf dem Tisch. Es geht um eine Prinzessin mit goldenen Haaren, drei Brüder – Immobilienverwalter – und ihre Reise in die Märchenwelt. 50 Millionen Kronen soll der Film schätzungsweise kosten. 2017, so hofft Vacláv Vorlíček, hat er das Geld beisammen, und dann kann es losgehen.

Rolf Hoppe – Der Mann mit den vielen Gesichtern

Ein großer Star wird 85. Ein Porträt von Rolf Hoppe

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Er ist einer der bedeutendsten deutschen Schauspieler und für mich ein ganz besonderer Mensch. In wenigen Tagen, genauer, am 6. Dezember, feiert Rolf Hoppe seinen 85. Geburtstag. Die Geschichten über sein Leben hat er in zwei Büchern erzählt – und einiges davon mir, seit wir uns  1997 für ein Porträt kennengelernt haben. Seitdem telefonieren wir so zwei-, dreimal im Jahr oder auch öfter. Es sind stets vergnügliche Plaudereien, bei denen hin und wieder eine Verabredung herauskommt. Wie im Mai, weil man sich gern wieder sieht.

Mein Hausbesuch bei diesem Mimen – bei ihm diese Formulierung nicht zu hochgegriffen – führte zu einer ganz besonderen Titelgeschichte in der SUPERillu (Heft 23/15). Denn zum ersten Mal war seine Frau Frederike dabei. Zur großen Freude ihres Mannes. Nachdem sie sich aber zunächst wie immer konsequent geweigert hatte, „in einem Artikel zu erscheinen“. Sie habe da nichts verloren. Punkt. Wohl aber doch, so sieht das Rolf Hoppe. Doch dazu später noch mehr.

Hoppes Haus2795 Rolf Hoppe war 62, als er…

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Thomas Natschinski – deutscher Beat und 501er Jeans

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Thomas Natschinski 1964

Als die Beatles anfingen, die Hitparaden zu stürmen, klappte ein 16-jähriger Berliner sein Klavier zu und kaufte sich eine Gitarre. Die Londoner Garagenjungs gaben die Initialzündung. Das war nach dem Deutschlandtreffen der Jugend Pfingsten 1964. „In Ost-Berlin brannte die Luft. Drei Tage lang. Das war eine Sensation. Da der Alltag in der DDR nicht so aufregend war, versammelten sich alle jungen Leute, die nicht eingemottet leben wollten, im Zentrum der Stadt“, erinnert sich Thomas Natschinski über 50 Jahre später. „Meine Freunde John, Gerrit und ich fanden durch Zufall zu einer Bühne, auf der eine tschechische Band spielte. Sie hatten kein Susaphon, keine Trompete und auch keine Schellen oder Posaunen. Was sie spielten, dran10-team4g wie ein scharfer Wind in unsere Ohren. Sie spielten Beatmusik! Und das Live und Open Air und im Osten!“

Im Spätsommer 1964 gründete er mit John Knepler, Gerrit Gräfe und Hartmut König seine Beatband. Im Oktober hatte Team4 in der Sendung »Basar« des DDR-Jugendfernsehens mit ihrem »Lied von den Träumen« den ersten TV-Auftritt, und die ersten Fans scharrten sich um die Band der Humboldt-Schule in Berlin-Köpenick. 1964 begann auch meine Beatzeit. Ich stand wie wohl die meisten jungen Leute unserer Generation auf Beatles, Stones, CCR, Ekseption oder Lovin’ Spoonful, von denen sich LPs in meiner bunten Plattensammlung befinden.Team4 Die Strasse

Team4 war die erste deutsche Rockband, die die deutsche Sprache mit eigenen Songs in der Beatmusik salonfähig machte. Thomas Natschinski, heute 68, kann getrost Vorreiter für die Entwicklung einer eigenständigen, deutschsprachigen Beat- und Rockmusik in der DDR genannt werden. Er komponierte den Kult-Hit „ Mokka-Milch-Eisbar“, den noch heute fast jeder, der in der DDR gelebt hat, mitsingen kann.

Team4-„Geschichten“, die zweite LP der ersten deutschen BeatgruppeEtwas verstaubt vom langen Unbenutztsein fand ich in meiner Plattensammlung die 1970er-LP von Team4 „Geschichten“, die 68-er Platte „Die Straße“, ihre erste LP, ist mir abhanden gekommen. Besonders ärgerlich, weil sie signiert war. Ganz stolz hatte ich sie 2007 zu meinem ersten Interview mit Thomas Natschinski mitgenommen, dessen Anlass sein 60. Geburtstag war.

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Mit Sängerin Gaby Rückert

Thomas Natschinski wurde Songschreiber vieler Hits, die eine ganze Generation in ihrem musikalischen Verständnis geprägt haben. Als Komponist steht er für die Karrieren von Sängerin Gaby Rückert („Berührung“) und Chansonier Jürgen Walter („Clown sein“). Vier Jahre lang war er Keyboarder bei „Karat“, einer der besten Bands der DDR. Er hat 150 Filmmusiken geschrieben, unter anderem für „Spuk unterm Riesenrad“, Revuen für den Berliner Friedrichstadtpalast.

Mit dem 60. Geburtstag brach für Thomas Natschinski privat wie beruflich eine neue und sehr kreative Zeit mit seiner Partnerin Christine Dähn an, dazumal Reporterin und Moderatorin bei „DT 64“ und dem DDR-Fernsehen. Mit ihr zusammen schrieb er den Rückblick auf sein Leben, „Verdammt, wer hat das Klavier erfunden“, und sie ist die Texterin für sein erstes Soloalbum „Weit, weit und wild“, mit dem sich der Musiker und Komponist 2007 als Sänger auf der Bühne zurückmeldete. „Die Musik strömte aus mir heraus. Es ist nicht mehr der nette Natschinski, der da singt, sondern ein kräftiger, manchmal leiser Kerl, der sich was traut. Ich singe von Liebe, Lust, Lesben, Wirrnissen und Wagnissen“.

cd_tn_weit-weitDie CD bedeutete für ihn ein Aufbruch, nachdem er 1980 seinen letzten Titel als Sänger aufgenommen hatte. Danach war er als Keyboarder für Ed Swillms bei Karat eingestiegen. Als er 1984 vor der Entscheidung stand, bei der Band zu bleiben oder als freier Komponist zu arbeiten, entschied er sich für Letzteres. Das hatte auch mit seiner Frau Maria zu tun. Er hatte sie 1967 kennengelernt, in einem Sowjetunion-Reise mit Freunden. Er war 19, sie 22, ein Mädchen, das seinem Schönheitsideal entsprach, wie er in seinem Buch „Verdammt, wer hat das Klavier erfunden“ erzählt.

buch-tnatschinsk2Am 20. Dezember 1969 heirateten sie, wurden Eltern einer Tochter. Maria starb 2004 an Leukämie, an der sie Mitte der 70-er Jahre erkrankt war. „Erst da erfuhr ich, wie stark meine Frau war. All die Jahre lebte sie mit dem Sterben, ohne zu klagen, ohne Lebenshast“, erinnerte sich Thomas Natschinski in unserem Interview. Er hat diese Liebe und die Zeit mit seiner Frau in seinem Herzen verschlossen. Bis er Christine Dähn traf und mit ihr zu arbeiten begann. Sie holte ihn 2007 auf die Bühne zurück.

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Jazzsommer 2007 in Berlin Köpenick

Seither sind beide landauf landab mit ihren Konzertlesungen unterwegs. 2014, zu seinem 50-jährigen Bühnenjubiläum, überraschte der stille Musiker, der 500 Songs und jede Menge Hits für andere geschrieben hat, mit einem ganz besonderen Album. „501“ steht auf dem Cover. Es sind zwölf wunderbare poetische und zugleich gegenwärtige Lieder – Blues, Rock, Balladen – zu denen Christine Dähn die Texte schrieb. Das jüngste Projekt des Paares ist das Hörbuch „Der Pianist und eine Autorin“.

Ein Interview mit Thomas Natschinski

CD Cover TN 501501 ist die älteste Jeansmarke, vor 124 Jahren hat Levi Strauss damit den Siegeszug um die Welt angetreten. Was hat sie mit Ihrem aktuellen Album zu tun?
Der Titel entstand als Hommage an ein Stückchen Stoff, das der Stoff für Generationen wurde. Er steht für Liebe, Toleranz, Ehrlichkeit, Kummer und für die Farbe blau, wie in guten Stunden der Himmel ist. Das spiegelt sich auch in den Liedern des Albums. 501 ist ein Lebensgefühl, mein Lebensgefühl… Die wunderbaren Texte sind von Christine Dähn. Sie kam auch auf die Idee, das Album 501 zu nennen. Die 501 begleitet lebenslang die meisten Musiker, Rocker, Jazzer und Popsänger. Die 501 legt man nur zum schlafen ab oder weg. Das wünsche ich mir auch von meiner CD.

In der DDR hieß es: „Jeans sind eine Einstellung, keine Hosen“. Sie galt bis Mitte der 70-er als Symbol westlicher, dekadenter Lebensart. Wer Jeans trug, dem wurde gern mal unterstellt, er opponiere gegen den Sozialismus. Wie haben Sie darauf reagiert?
Jeans sind ursprünglich Arbeitshosen für die amerikanischen Arbeiter. Und der Arbeiterklasse war die DDR ja sehr nahe. Dagegen konnte man nichts sagen, aber DDR-Politiker dachten meist sehr eng. Sie störten sich auch an langen Haaren und Parka, sogenannten Nato-Kutten. Sie haben die Welt nicht beschädigt. Die Aufgeregtheit der alten Männer legte sich ein wenig unter Honecker. Da hieß es dann, Hose ist Hose. 1978 wurden eine Millionen „Levis“ importiert und später produzierte die DDR eigene Jeans der Marke „Boxer“ und Wisent“. Wenn man sie auch noch hätte tragen können, wäre es schön gewesen. Dann hätte meine Oma sie nicht mehr aus dem Westen mitbringen müssen.01-fotosession-cd-weit_weit

Vor 25 Jahren öffnete sich die deutsch-deutsche Grenze. Was für ein Tag war der 9. November 1989 für Sie?
Es war ein sehr guter Tag. Vieles wurde beendet, was schlecht auszuhalten war. Über politische, familiäre oder sonstige Veränderungen dachte ich nicht nach und über mögliche Verluste schon gar nicht. Ich bin ein beherzter, aber nicht todesmutiger Mensch. Mich beschlich beim Übertreten der Grenze das Gefühl: was passiert, wenn ein Idiot dazwischen ballert?

Welche Brüche gab es für Sie nach der Wende?
Wir DDR-Bürger kippten aus unserer Normalität. Nie hatte ich mir wirklich existenzielle Sorgen gemacht. Ich habe Musik studiert, klassisches Klavier und Komposition und kann mein Handwerk. Plötzlich standen Fragen wie Miete, bezahlbare Versicherungen im Raum. Ich begann, bewusster das Geld zusammenzuhalten. Der Gang zum Arbeitsamt blieb mir zum Glück erspart. Ich musste nicht das Tief durchlaufen, das viele erlitten haben. Ich schrieb Musik für Film und Fernsehen und für den Friedrichstadtpalast meine erste eigene Show „Wunderbar – die 2002. Nacht“.

09-liverpool-cavernclub-mit_papp-maccaWelches Resümee können Sie heute ziehen?
Für mich kam die Wende sicherlich zur richtigen Zeit. Ich war jung genug, um weiter durchzustarten und alt genug, die richtigen Entscheidungen zu treffen. Ich bin ein Technikfreak und wusste, die Zukunft liegt in der Personalunion, Amiga würde es nicht mehr geben. Ich baute mir ein Studio auf und musste kein Instrument mehr wie ein Kleinverbrecher durch den Zoll schmuggeln, wie in meiner Zeit als Keyboarder von Karat. Ich konnte Konzerte erleben, von denen ich als DDR-Musiker nur geträumt hatte. Ich war in Liverpool, habe vor ein paar Jahren die internationale Beatles Week miterlebt. Das größte Glück für mich ist, als Komponist weiter gefragt zu sein. Man kann es auch Privileg nennen, das tun zu dürfen und davon leben zu können, was Beruf, Berufung und Hobby ist: Musik!

Auf Ihrem Album 501 gibt es das Liebeslied „OstenWesten“. Der Refrain enthält eine wunderbare Zeile, die die Zukunftshoffnung der Menschen ausdrückt. „Wenn endlich Osten Westen Norden Süden Himmelsrichtungen sind und nicht mehr…“
Junge Leute haben sich meist schon auf Himmelsrichtungen geeinigt. Schaffen wir anderen Generationen das nicht?thn_plakat-fot_mm-eisbar

Sie reflektieren auch Befindlichkeiten in dieser Gesellschaft. Bei „Bruno“ geht es um die internationale Solidarität mit Menschen, die weit weg in Armut leben und „Klaus“ ist das Pendant dazu in diesem Land.
Ich gucke nicht nur auf meine Klaviertasten, sondern auch darauf, was in der Welt und um mich herum passiert. Ich finde, jeder hat eine Verantwortung gegenüber der Gesellschaft. Und das regelt man nicht nur mit der Bezahlung seiner Steuern. Die Positionierung, die ich mit meinen Liedern einnehme, schafft Christine Dähn mit ihren Texten, weil sie mich kennt. Für das neue Album ist ihr eine eine ausgewogene Mixtur aus Liebesliedern, witzigen Songs und Weltliedern gelungen.

Natsch-Daehn PressefotoMit Ihrer Texterin verbindet Sie mehr als nur Arbeitsfreundschaft. Sie Zwei sind eine Symbiose.
Ja. Wir kennen uns seit Mitte der Siebziger, als Christine Dähn bei Jugendradio DT 64 als Moderatorin und Journalistin arbeitete und die Chart-Sendung „Metronom“ moderierte. Nach der Wende hatten wir uns total aus den Augen verloren. Vor einigen Jahren sind wir uns in Spanien zufällig wieder begegnet. Sie bat mich, die Musik für ein Theaterstück zu schreiben. Dann haben wir ein Hörbuch gemacht und so ging es los. Christine wieder zu treffen, war ein Glücksfall für mich. Sie hat mich bewegt, wieder auf die Bühne zu gehen. Zu meinem 60. Geburtstag 2007 bin ich das erste Mal wieder aufgetreten, nachdem ich fast 20 Jahre ausschließlich komponiert habe. Und es macht mir einen Riesenspaß. Wir sind ein echtes Kreativ-Team, wie ich sage. Und ein bisschen mehr… Wir leben inzwischen zusammen.

Der Pianist und eine Autorin CoverIhr jüngstes gemeinsames Projekt ist das Hörbuch „Der Pianist und eine Autorin“, mit dem Sie jetzt unterwegs sind. Worum geht es?
Christine erzählt ihre wunderschönen Geschichten, die sie als Journalistin beobachtet hat. Ich begleite sie dabei auf dem Klavier.

Bücher, CDs und Konzerttermine

http://www.thomasnatschinski.de

http://www.christinedaehn.de

Rolf Losansky: Ein Schlaganfall warf ihn aus der Bahn

Diesen Besuch wollte ich schon lange machen – seit fast zwei Jahren. Die Zeit fehlte – oder die Traute, diesen wunderbaren, vor Geschichten übersprühenden Menschen auf einmal sprachlos zu sehen: den Kinderfilmregisseur Rolf Losansky

veröffentlicht: suil 9/11 S.98 Babelsberg / Potsdam 26.01.2011 FOTO : YORCK MAECKE Rolf Losansky deutscher Filmregisseur und Drehbuchautor, der einer der erfolgreichsten Kinderfilmer der DEFA in Potsdam-Babelsberg war wird am 18.Feb.2011 80 Jahre alt. Herzlichen Glueckwunsch !!!!!!!
Rolf Losansky im Studio Babelsberg. Er hat über 20 Kinder- und Jugendfilme gedreht. Foto York Maecke

Als ich nun vor ein paar Tagen beim Sortieren meiner Recherchen über den Ordner Rolf Losansky „stolperte“, schob ich den Besuch nicht wieder hinaus. Das war ich ihm einfach schuldig. Er hatte immer Zeit, wenn ich ihn bat, mir für einen Artikel über einen seiner einzigartigen Kinderfilme etwas zu erzählen. Meistens trafen wir uns mit seinen Hauptdarstellern, und ich erfuhr, was aus den Filmkindern von damals geworden ist. Rolf blieb mit allen in Kontakt. Die heute Erwachsenen schwärmten von den Dreharbeiten mit „Rolfi“. Es waren für sie die schönsten Zeiten ihrer Kindheit, denn sie erlebten unerwartete Abenteuer.

Im Juli 2013 erlitt der beliebte Kinderfilmregisseur einen Schlaganfall, der ihn rechtsseitig gelähmt und sein Sprachzentrum schwer beschädigt hat (globale Aphasie). „Er ist seiner Wohnung zusammengebrochen und konnte sich nicht bemerkbar machen. Seine Bekannte fand ihn“, erzählte mir seine Tochter Danka. Das war Glück im Unglück. Viele Wochen verbrachte der damals 82-Jährige in Krankenhaus und Reha-Klinik. Danka bangte um das Leben ihres Vaters. „Nicht, weil er nicht mehr wollte. Es ging ihm dort nicht gut. Er wollte nach Hause, in seine gewohnte Umgebung.“

Foto: Jürgen Weyrich
Rolf Losansky im September 2012. Foto Jürgen Weyrich

Doch dazu musste seine kleine Wohnung im Hochparterre eines Mehrfamilienhauses Rollstuhl gerecht umgebaut und ein mobiler Treppensteiger angeschafft werden, um mit dem Rollstuhl die fünf Stufen im Hausflur zu überwinden. Die Hürden der Bürokratie in Rolfs Heimatstadt Potsdam waren schier unüberwindlich.  Doch Freunde und ehemalige DEFA-Kollegen wie die Schauspieler Gojko Mitic und Jaecki Schwarz ließen ihn nicht im Stich und unterstützten seine Tochter Danka. Im Januar 2014 war es geschafft. Rolf war wieder zu Hause. Es war seine Lebensrettung. Auch wenn rund um die Uhr jemand da sein muss, der ihn betreut, fühlt er sich hier wieder als Mensch. Das bewahrte ihn vor Depressionen, die sich oft als Begleiterscheinung bei diesem Krankheitsbild einstellen.

Als ich zur verabredeten Zeit klingele, war er mit seiner Pflegerin Sissy gerade von der täglichen „Ausfahrt“ zurück. „O ja, er wartet schon, wollte schnell nach Hause“, sagt sie mit ungarischem Akzent beim Blick aus dem Fenster. Rolf hat noch den Mantel an, als ich eintrete. Er sitzt im Rollstuhl, sein gebräuntes Gesicht überzieht eine gesunde Frische. Sissy zieht ihm den Mantel aus. Ich helfe ihr und spüre, es ist ihm in meiner Gegenwart unangenehm, sich nicht selbst behelfen zu können. Aber es ist nur ein winziger Moment. Er drückt mit seiner Linken meine Hand, umarmt mich. Es ist gut, dass ich gekommen war.

Wir zwei sind über die Arbeit Freunde geworden. Ich habe ein kleines Album mit Fotos zusammengestellt, die bei unseren Interviews entstanden sind. Er legt es auf sein Knie und blättert. Seinen leuchtenden Augen sehe ich an, wie sehr er sich darüber freut. Er versucht etwas zu sagen, wird traurig, weil ich ihn nicht verstehe. Also übernehme ich das Reden und erzähle erst einmal, was ich so mache. Im Juni 2013 hatten wir uns das letzte Mal getroffen. Drei Wochen später passierte das Unglück.

6. Juni 2013. Treffen mit Rolf Losansky und seinen Darstellern Andreas Bieber und Marlene Marlow (r.) in Langerwisch
6. Juni 2013. Treffen mit Rolf Losansky und seinen Darstellern Andreas Bieber und Marlene Marlow (r.) in Langerwisch, wo er seinen Film „Hans im Glück“ gedreht hat. Foto Boris Trenkel

Wir schauen auf ein Foto, das uns damals zusammen mit Marlene Marlow und Andreas Bieber bei diesem Treffen an der alten Paltrockmühle in Langerwisch bei Potsdam zeigt. Ich wollte eine Geschichte über seinen Film „Hans im Glück“ schreiben, den er 1998 hier gedreht hatte. Andreas Bieber spielte den lustigen Müllerburschen und Marlene den verkleideten Gänsejungen. Rolf zupft wie gewohnt an seinem Schnauzer und blickt mich an. Ich ahne, was er mir jetzt mit wahrer Begeisterung von den Dreharbeiten und den Tücken des Objekts erzählen würde. Dass die Kuh nicht wollte wie sie sollte, dass Andreas wie ein Torero um sie herum gesprungen ist und sie doch nicht animieren konnte den Stier zu geben. Auch, dass ihm nur 1,5 Mio. Mark und 16 Drehtage zur Verfügung standen. Was selbst für einen alten Regiehasen wie ihn knapp war. Aber keiner seiner Schauspieler – und es waren Mimen wie Rolf Hoppe, Karl Dall, Walfriede Schmitt und Fred Delmare – gab ihm einen Korb, weil das Honorar so gering war. Sie alle spielten mit großem Spaß ihre Episodenrollen – Freundschaftsdienste für einen, den sie schätzten. Auch wir hatten viel Spaß an diesem Sommertag.

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Rolf Losansky mit seinen Hauptdarstellern im Film „Der lange ritt zur Schule“ Gojko Mitic (Sportlehrer) und Frank Träger (Alex)

Wie viel ihm die Freundschaft bedeutet, erkenne ich, als wir uns Bilder mit Schauspieler Gojko Mitic, Filmkind Frank Träger und Autorin Christa Kozik ansehen. Er tippt auf sich und zeichnet einen Kreis in der Luft und meint damit den Freundeskreis, der um ihn gebildet hat. Seine Augen werden feucht.

Gojko Mitic und Frank Träger , mit Regisseuer Ralf Losansky zur zur DVD-Reihe zum Film
Mai 2012. Gojko Mitic, das ehemalige Filmkind Frank Träger und ich plaudern mit Regisseur Rolf Losansky über die Dreharbeiten zum Film „Der lange Ritt zur Schule“ im Filmpark Babelsberg. Foto: Boris Trenkel
Im filmpaGojko Mitic und Frank Träger , mit Regisseuer Ralf Losansky zur zur DVD-Reihe zum Film
In der Kulisse der Westernstadt.

Ich gebe ihm mein Handy und lass das Video laufen, das ich gemacht habe, als wir uns mit Gojko Mitic und Frank Träger im Filmpark Babelsberg getroffen hatten. Rolf hatte 1981 den ersten Kinderwestern in Deutschland gedreht. Den Funktionären der DDR-Volksbildung war der Film ein Dorn im Auge. „Nur wer Spaß am Spaß hat, staunen und spinnen kann, sollte ihn sich ansehen“, stand im Programmheft. Der Sportlehrer, gespielt von Gojko Mitic, reitet in der Fantasie des Jungen Alex als Indianerhäuptling durch die Stadt, verfolgt von Trappern, der Schuldirektor erscheint als Sheriff und trägt einen Cowboyhut. Das ging alles gar nicht. DDR-Kinder träumen nicht von Cowboys, hieß es. Darüber konnte der Kinderversteher Rolf Losansky nur lachen. Der Film wurde so schnell ins Ausland verkauft wie kein anderer.

„Hans im Glück“ war der letzte Film, den er gedreht hat. Aber losgekommen ist er nicht davon, wurde Berater und Mentor für junge Regisseure. „Ich will in ihnen das Feuer wecken, das noch immer in mir lodert“, hat er mir in unserem ersten Interview 2011 erklärt.

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Rolf Losansky beim Dreh seines Film „Wer küsst Dornröschen“, 2012 in Erkner. Für den Film wurde kein Kind abgelehnt, das sich bewarb. Die Idee kam von Ralf Schlösser, einem ehemaligen Filmkind. (www.schauspielschule-drehbuehne.de)

Sein Herz gehört den Kindern. Man muss sich um sie kümmern. 2012 erfüllte er hundert Kindern aus Erkner bei Berlin einen Riesenwunsch. Er drehte mit ihnen das Märchen „Wer küsst Dornröschen“. Keiner der begeisterten kleinen Rollenanwärter musste traurig wieder nach Hause gehen, weil er nicht geeignet war. Für alle hatte Rolf Losansky eine Rolle. Und so kam es, dass es eben nicht einen, sondern zehn Prinzen gab, die Dornröschen aufwecken wollten. Die Idee hatte Ralf Schlösser von der Schauspielschule Drehbühne. Er war 1974 Hauptdarsteller in Rolf Losanskys Jugendfilm „… verdammt, ich bin erwachsen“. Und prominente Schauspieler Gojko Mitic, Karin Düwel und Bruno F. Apitz mimten den Koch, die böse Fee und den Hauptmann der Wache – aus Spaß an der Freude und ihrem hoch geschätzten Rolfi zuliebe.

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In seinem Märchenfilm „Wer küsst Dornröschen“ bekam jedes Kind, das mitspielen wollte, eine Rolle. Hier bereitet er die Prinzen auf die Szene vor. Foto: Ralf Schlösser (www.schauspielschule-drehbuehne.de)

Mir nichts, dir nichts, ohne Vorwarnung warf das Schicksal den Kinderfilmregisseur am 26. Juli 2013 aus dem Leben, das ihm so viel bedeutete.  Ein Tag, der eigentlich ein schöner werden sollte. Am 26.Juli 1963 hatte er mit dem Abenteuerfilm „Geheimnis der 17“ sein Debüt als Regisseur bei der DEFA in Potsdam-Babelsberg gegeben. Die Uraufführung – noch vor der Kinopremiere im Oktober – fand in Wittstock statt, wo der Film gedreht worden war. Das Jubiläum sollte nun dort mit einem Fest gefeiert werden. Es fand statt, nur ohne die Hauptperson.

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Rolf mit Keramikfiguren seiner Filme. Foto: Uwe Toelle

Noch heute lieben die Kinder Rolf Losanskys poetische Filme, in denen sich eine spannende reale Handlung und kindliche Fantasie zu modernen Märchen mischen. Es könnten ihre Erlebnisse sein, die sie auf der Kinoleinwand sehen. Da spielt es keine Rolle, ob sie im Osten oder Westen, Norden oder Süden der Welt zu Hause sind.

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Schneemann Kasimir mit seinen Menschen. Foto: Uwe Toelle

Seit über 50 Jahren zieht „Die Suche nach dem wunderbunten Vögelchen“ die Kleinen in Bann. Oder „Ein Schneemann für Afrika“, „Zirri – Das Wolkenschaf“ und „Das Schulgespenst“. Dafür sammelte Rolf Losansky auf internationalen Kinderfilm-Festivals Preise ein, in Kairo, Rio de Janeiro, San Francisco, Gijón. Der kleine, fast zierliche Mann mit dem freundlichen Lächeln hinter dem Schnauzer ist mit seinen Filmen auch nach der Wende gern unterwegs – gewesen, muss man nun sagen. Es machte ihm Freude, mit den Kindern zu sprechen, ihre Frage zu beantworten. Bis nach Indien ist er mit seinem Film „Ein Schneemann für Afrika“ vor vier Jahren noch gereist. Kinder brauchen einen wie ihn.

Regisseur ROLF LOSANSKY und Autorin CHRISTA KOSIK. Foto: Juergen Weyrich /
1983 verfilmte Rolf Losansky die Geschichte  „Moritz in der Litfaßsäule“  von Autorin Christa Kozik. Foto: Jürgen Weyrich

Ich habe noch seine Antwort im Kopf, die er mir gab als ich ihn fragte, warum er nur Kinderfilme dreht. „Es muss auch Verrückte geben, die sich darum kümmern. Denn wer sich dem Kinderfilm verschreibt, muss verrückt sein. Dem sagt man nach: Der kann nichts anderes. Aber ich bin so ein Verrückter.“ Schon als Student half er Regisseuren bei der Auswahl von Film-Kindern. „Als ich merkte, dass mir das lag und die Kinder mich mochten, dachte ich: Dabei bleibste.“ Eine Entscheidung, die er nie bereut hat – und seine kleinen und großen Zuschauer noch viel weniger. „Ich würde das auch nicht eintauschen, wenn ich noch mal auf die Welt käme. Ich würde wieder Kinderfilme drehen.“ Ein Schleier überzieht nun seine blauen Augen. Der Anruf meiner Tochter bringt ihn zum Lachen. Ich erzähle ihm, dass sie sich nach der Arbeit die Heimfahrt im Auto verkürzt, indem sie mich anruft und drauflos schwatzt. Diesmal ging es nicht.

Sissy bringt uns Kaffee mit viel Milch. So mag es Rolf und ich auch. Ich erfahre von ihr, dass er oft Besuch hat. Ziemlich regelmäßig kommt seine gute Freundin, die Autorin Christa Kozik, mit der er oft zusammengearbeitet hat. Sie schrieb die Geschichte vom „Schneemann für Afrika“ und die Abenteuer von „Moritz in der Litfaßsäule“. 2012 haben sie den Film als Theaterstück auf die Bühne gebracht. Seitdem steht es auf dem Spielplan vieler Kinder- und Jugendtheater. Am 19. November läuft es in Gießen.

MORITZ_IN_DER_LITTFASSSAEULE Regisseur ROLF LOSANSKY und Autorin CHRISTA KOSIK. Foto: Juergen Weyrich / 19.09.2011
Interview mit Rolf Losansky und Christa Kozik. Foto: Jürgen Weyrich

Der 84-Jährige hat noch viel vorgehabt. Die Geschichte seines jüdischen Freundes, der als Kind in die Gaskammer abtransportiert wurde, wollte er mit seinen Studenten verfilmen. Das lag ihm am Herzen. Er weiß, dass das ein Traum bleiben wird. Aber er will wenigstens wieder sprechen können. Dazu muss die rechte Hirnhälfte die Arbeit der linken Seite übernehmen, wo das Sprachzentrum sitzt. Rolf Losansky kämpft um seine Sprache. Neben der Therapie liest er viel, sieht fern, um fit im Kopf zu bleiben, beschäftigt sich. Ob die Therapie Erfolg haben wird, ist nicht sicher. Das weiß er, schließlich hat er drei Semester Medizin studiert, bevor er sich dem Film verschrieb. Ich frage ihn, ob er zuversichtlich ist. Er sieht mich an und sagt: Ja.

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